Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

it’s only blogging but i like it #5

Related posts:

1. it’s only blogging but i like it #4 Movies In Frames (science fiction edit) Questo è un articolo...
2. it’s only blogging but i like it #3 Porn Without Porn Questo è un articolo pubblicato su Nazione...
3. it’s only blogging but i like it #2 Kim Jong-Il looking at things Questo è un articolo pubblicato...
4. it’s only blogging but i like it #1 Indizi dell’avvenuta catastrofe *** *** *** *** [Il blog Indizi...
5. da “Quando Kubrick inventò la fantascienza” KUBRICK di Andrea Inglese L’autista di Kubrick sta guidando...

 
“Tutto per lui era così piccolo, così vicino, così bagnato; avrebbe voluto mettere la terra accanto a una stufa.”

Georg Büchner LENZ 1835
ed. Adelphi trad G. Dolfini

François Couperin “Deuxième Leçon de Ténèbre”

Estrapolata da uno dei molti telegiornali del blizzard, l’apparizione, per uno strano caso sobriamente commentata, fra le nevi dei Monti Sibillini, l’epifania di questo signore molto anziano, diritto, elegante come un alpinista degli anni ’20, astratto, ironico e per nulla spaventato, che riprende orgoglioso il suo pellegrinaggio verso la meta del paesino di Corbara, dove ci tiene a precisare non c’è nessuno ad aspettarlo, è testimonianza di un perduto senso della vita, della misura del sopravvivere con pochi mezzi e pochi drammi che ha caratterizzato intere generazioni nella lotta contro gli elementi naturali e le avversità.
Ha ragione Anna, dall’Aquila, che, assistendo al decadere di ciò che ancora per miracolo stava in piedi della sua città, in certi nostri bollettini della neve, alla mia mail:
 

From: Orsola Puecher
To: anna tellini
Sent: Saturday, February 11, 2012 7:40 AM
Subject: sibillino

anna un’altra metrata di neve per l’inverno del nostro scontento
ho estrapolato da un tg questo personaggio incredibile che ne è il protagonista assoluto
mi piacerebbe riuscire a scriverne

 
risponde
 

Re: sibillino
DA: anna tellini
A: Orsola Puecher
Messaggio contrassegnato
Sabato 11 Febbraio 2012 9:16

L’aristocratica eccentricità vestimentaria, nonchè l’irenica serenità del tratto, me lo porrebbero come vessillo del distacco, della voluttà di perdersi: in breve, un “Into the wild” in salsa sibillina…

 
E allora lo metto qui con antica funzione apotropaica, che stasera spaventi un po’ e allontani la tormenta che ci assedia come non mai, levigando ogni cosa in creste di neve a dune di deserto, e che ci fa sentire al centro di un grande ghiacciaio di nevi perenni. Che ci rassicuri, in questa che sarà davvero un lunga notte bianca, che non è niente di trascendentale questa neve, come vuole farci credere ogni inviato che si rispetti di tutte le televisioni del regno della retorica giornalistica che ha i suoi innevati da raccontare e va per i paesini sepolti a caccia di casi umani e immancabilmente il suo sarà un viaggio nel nulla, o nella morsa del gelo. Se manca la luce per qualche black out, non si trattiene dallo sventolarci che siamo al grado zero della civiltà e altre amenità. L’intervistato di solito dignitosamente dice poche parole, offre malvolentieri all’invadenza della telecamere interni modesti, con stufe a bombola. Dove si sta accampati con gli anziani, imbacuccati. Panni appesi ai raggi del tubo della stufa economica a legna. Piastrelle di cucine modeste, non di design. Abbigliamento non tecnico e sovrapposizioni di scialli e scialletti e berretti. Ma lui insiste ma come avete fatto a stare senza luce e riscaldamento? E se, dignitoso, il padre di una bimba di dieci giorni gli risponde che si sono chiusi in cucina e hanno acceso tutti i fornelli della stufa a gas e si son stretti l’un all’altro ad aspettare, pare non accontentarsi e riprende la caccia al dramma da esibire e violare.
Nessun grado zero di civiltà. Fino a non molti anni fa si viveva così, come in questi giorni la neve ci sta facendo ricordare.
 

Lo so che è ridicolo. Ho il negozio sotto casa. Ma quando arriva il tempo, devo accumulare lo stesso. Salame, vino, legna. La paura che l’inverno porti miseria mi abita dentro. Ne ho passati troppi a tribolare: guerra, lager, fame nera, amici portati via dal gelo. Se faccio provvista affronto al meglio la stagione del riposo, della lettura, del raccoglimento. Anni fa la neve mi isolò per giorni, rimasi senza luce e telefono. Fu magnifico. Ero felice, tranquillo, non c’era tv. I fiocchi cadevano senza rumore. Avevo legna, farina bianca, lardo, formaggio, e una storia da scrivere. La finii al lume a petrolio. Era la Storia di Tonle. La neve, l’istinto del lupo, la voglia di perdersi nei boschi di casa, sull’Altopiano di Asiago, mettere ancora gli sci di fondo , lasciare che il fiato ti geli la barba. II tempo, anche, del narrare.
 
⇨ Mario Rigoni Stern
intervista di Paolo Rumiz
La Repubblica
24/9/2006 Corvara [Bolzano]

John Cage A Valentine Out of Season

 

Nengue… nevica…. dicono qui nel dolce dialetto centro italico: traccia dell’antico accusativo di nix, ninguem poi diventato nivem, perdendo con quell’enne questo suo sonoro, ninnnante, scorrere ininterrotto di fiocchi. Fa la neve… si dice. Ma chi la faccia tutta questa neve quest’anno è davvero un mistero. Da una settimana, da quando sono nati i tre gattini bianchi come nengue della gatta Mizzi, non fa altro che nevicare. Ci si muove, ci si ferma. I pettirossi si posano vicinissimi a caccia di briciole e bacche d’alloro. La volpe si avvicina alle case, di notte. Si mettono le catene, si tolgono le catene. Si è a volta a volta bloccati, come si chiudessero i ghiacci dello stretto di Bering. Si sta chiusi a spiare dalla fessure di porte e finestre fino al disgelo. Non una macchina che passa, bianco e silenzio. Poi si scappa a far provviste esagerate nelle pause. Salutando chi incontri come si provenisse da luoghi remoti, da solitudini di mesi, infagottati in ridicoli abbigliamenti in cui si stenta a riconoscersi.
Aspettando che ‘rnengui e poi snengui.
 

 
L’uomo di neve
 
di Wallace Stevens
 
Si deve avere una mente d’inverno
Per ammirare la brina e i ramoscelli
Dei pini incrostati di neve;
 
E aver patito il freddo per lungo tempo
Per accorgersi dei ginepri arruffati di ghiaccio,
Degli abeti ruvidi nel distante scintillio
 
Del sole di Gennaio; e non immaginare
Alcun lamento nel suono del vento,
Nel suono di poche foglie,
 
Che è il suono della terra
Spazzata dallo stesso vento
Che sta soffiando nello stesso luogo vuoto
 
Per chi ascolta, chi ascolta nella neve,
E, un nulla lui stesso, guarda
Il nulla che lì non c’è e il nulla che c’è.
 
[trad. Orsola Puecher]¹

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

nengue…

1. The Snow Man

   di Wallace Stevens

   One must have a mind of winter
   To regard the frost and the boughs
   Of the pine-trees crusted with snow;

   And have been cold a long time
   To behold the junipers shagged with ice,
   The spruces rough in the distant glitter

   Of the January sun; and not to think
   Of any misery in the sound of the wind,
   In the sound of a few leaves,

   Which is the sound of the land
   Full of the same wind
   That is blowing in the same bare place

   For the listener, who listens in the snow,
   And, nothing himself, beholds
   Nothing that is not there and the nothing that is.

Related posts:

1. VISIONI in TRALICE [VI] di perle e rospi di Orsola Puecherla frale carta velina dei petali – il...
2. Arna’s Children di Juliano Mer-Khamis ⇨ Arna’s Children [ 2003 ] di ⇨ Juliano...
3. VISIONI in TRALICE [V] Lascia ch’io pianga [ "vigils musing the obscure" - veglie - molte -...
4. 1° È l’animale, questo, che non c’è.       Musée National du Moyen Âge Parigi ]   Thibault...
5. Ah, non parlatemi della Duncan!…   [ img © ,\\' ] F. Chopin, Berceuse in...

Solone fr. 36 West

Ἐγὼ δὲ τῶν μὲν οὕνεκα ξυνήγαγον
δῆμον, τί τούτων πρὶν τυχεῖν ἐπαυσάμην;
συμμαρτυροίη ταῦτ᾽ ἂν ἐν δίκῃ χρόνου
μήτηρ μεγίστη δαιμόνων Ὀλυμπίων
ἄριστα, γῆ μέλαινα, τῆς ἐγώ ποτε
ὅρους ἀνεῖλον πολλαχῇ πεπηγότας,
πρόσθεν δὲ δουλεύουσα, νῦν ἐλευθέρα.
πολλοὺς δ᾽ Ἀθήνας πατρίδ᾽ εἰς θεόκτιτον
ἀνήγαγον πραθέντας, ἄλλον ἐκδίκως,
ἄλλον δικαίως, τοὺς δ᾽ ἀναγκαίης ὕπο
χρειοῦς φυγόντας, γλῶσσαν οὐκέτ᾽ Ἀττικὴν
ἱέντας ὡς ἂν πολλαχῇ πλανωμένους,
τοὺς δ᾽ ἐνθάδ᾽ αὐτοῦ δουλίην ἀεικέα
ἔχοντας, ἤδη δεσποτῶν τρομευμένους,
ἐλευθέρους ἔθηκα. ταῦτα μὲν κράτει
νομοῦ βίαν τε καὶ δίκην συναρμόσας
ἔρεξα, καὶ διῆλθον ὡς ὑπεσχόμην.
θεσμοὺς δ᾽ ὁμοίως τῷ κακῷ τε κἀγαθῷ
εὐθεῖαν εἰς ἕκαστον ἁρμόσας δίκην
ἔγραψα. κέντρον δ᾽ ἄλλος ὡς ἐγὼ λαβών,
κακοφραδής τε καὶ φιλοκτήμων ἀνήρ,
οὐκ ἂν κατέσχε δῆμον, εἰ γὰρ ἤθελον
ἃ τοῖς ἐναντίοισιν ἥνδανεν τότε,
αὖθις δ᾽ ἃ τοῖσιν οὕτεροι φρασαίατο,
πολλῶν ἂν ἀνδρῶν ἥδ᾽ ἐχηρώθη πόλις.
τῶν οὕνεκ᾽ ἀλκὴν πάντοθεν κυκεύμενος
ὡς ἐν κυσὶν πολλῇσιν ἐστράφην λύκος.

Dei fini per cui io raccolsi il popolo,
che impegno ho tralasciato senza adempierlo?
Può farne fede al meglio, nel discrimine
del tempo, l’alta madre delle olimpiche
deità, la Terra nera, da cui i vincoli
rimossi già per molti luoghi infittile,
ché prima era asservita e adesso è libera.
Molti ad Atene, alla città che eressero
gli dèi, ne riportai, che si vendettero,
chi a torto, chi a ragione, o che fuggirono
dal peso del bisogno e non capivano
più l’attico, per quanti luoghi errarono:
e quelli che per despoti tremavano,
soffrendo già fra noi servaggio ignobile,
in libertà li misi. Con imperio
di legge unii la forza e la giustizia
e agii, e ottenni quanto ripromessomi.
Con equità per il meschino e il nobile
prescrissi norme, offrendo a entrambi valido
diritto. Avesse un altro retto il pungolo,
un uomo dagli intenti vili, un avido,
non tratteneva il volgo: mi piacessero
follie che gli avversari allora vollero,
o quelle insidie che altri a loro tesero,
di molti la città sarebbe vedova.
E tutto di virtù perciò vestendomi,
fra molte cagne io lupo presi a volgermi.

(Trad. di Daniele Ventre)

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

ΣΕΙΣΑΧΘΕΙΑ

No related posts.

di Riccardo Guidi

Il progetto Spazio Comune prende le mosse da due variabili che si intrecciano: la crescita esponenziale di nuove vulnerabilità in ceti che non avevano mai conosciuto il rischio della povertà; una possente deriva oligarchica a fronte della quale l’attuale articolazione delle forme della democrazia non sembra in grado di proporre risposte efficaci. Si concentra su queste due tendenze che spesso vengono trascurate dal dibattito pubblico. Il progetto è un sistema di laboratori, promossi dalla Fondazione Volontariato e Partecipazione e dalla rivista Animazione Sociale ed è composto da oltre 300 persone di 8 regioni italiane: amministratori pubblici, dirigenti e operatori di cooperative sociali, rappresentanti di organizzazioni del terzo settore, docenti e ricercatori universitari. Si sono riuniti negli ultimi mesi e si stanno dando appuntamento a Lucca per il 24 e 25 febbraio per discutere su come poter costruire nuovi spazi di partecipazione partendo proprio dalle nuove vulnerabilità.

Capita infatti ad un numero crescente di persone di vivere criticità accellerate da  tumultuosi cambiamenti epocali. Esemplifichiamo un possibile percorso: quotidianamente ci assediano miriadi di opportunità che ci portano a vivere vite trafelate e al di sopra delle possibilità, facciamo sempre più i conti con una crisi che comporta difficoltà di “arrivare alla quarta o alla terza settimana”. Si aprono così nuovi disagi, si sviluppano malattie -in particolare la depressione- che attraversano in particolare quel “ceto medio impoverito” quello dei cosiddetti “vulnerabili”. Per queste persone la crescente evaporazione dei legami sociali rende più difficile l’elaborazione del limite e il fronteggiamento delle difficoltà. L’area dei vulnerabili sta silenziosamente slittando verso la povertà. Ma non solo: rappresenta anche un “tacito esodo” dalla cittadinanza. Una fuga da quello che non ci rappresenta più, dallo Stato agli enti locali, ma anche qualsiasi altro istituto della società civile. In questo contesto diventono appetibili linguaggi politici semplificatori e potenzialmente eversivi.

Spazio Comune riflette su come i vulnerabili siano spesso persone interessate allo spazio pubblico e perciò avvicinabili anche da modalità di esercizio dell’autorità in grado di rassicurare senza illudere, di coinvolgere per costruire insieme intorno ad oggetti quotidiani, utili, non stigmatizzati. Una risorsa sociale dunque da valorizzare per chi ha a cuore le sorti della democrazia. Per farlo è necessario un forte rinnovamento delle tradizionali attrezzature metodologiche messe in campo nei percorsi partecipativi come dimostrano alcune  esperienze partecipative nell’area del welfare, dell’ambiente e dell’urbanistica (spesso con significative collaborazioni tra cittadini e istituzioni). Esperienze che mettono in campo la diffusione di nuove competenze in una vasta gamma di operatori, responsabili tecnici e politici di istituzioni e terzo settore. Questi contenuti saranno al centro del convegno nazionale “Spaziocomune. Costruire partecipazione nel tempo della vulnerabilità”, il primo incontro nazionale della rete di laboratori di promozione di cittadinanza attiva.
Si aprirà il 24 febbraio a Lucca ospitato da Villaggio Solidale, il Salone Nazionale del Volontariato. Gli obiettivi dei laboratori sono molteplici: mappare le esperienze che stanno muovendosi per fronteggiare in modo attivo le nuove vulnerabilità, connetterle e costruire, a partire da queste connessioni, nuove ipotesi di lavoro. Ma anche promuovere l’avvio di percorsi e progetti in grado di fronteggiare queste nuove criticità attraverso lo sviluppo di percorsi partecipati in grado di arricchire e articolare le attuali forme della democrazia.

Il convegno nazionale si svilupperà in quattro sessioni che affronteranno altrettante aree tematiche. “Geografie sociali in trasformazione”, “Generare risorse sociali”, “Nuove forme partecipative crescono”, “Trasformazioni culturali e vulnerabilità”. Intorno a questi temi si confronteranno alcuni fra i maggiori esperti a livello nazionale e non solo come il sociologo Alain Ehrenberg dell’Université Paris Decartes, il filosofo e psicanalista Miguel Benasayag, il presidente del Censis Giuseppe De Rita, il professore Ilvo Diamanti dell’Università di Urbino ed è previsto un intervento dell’attore e conduttore televisivo Patrizio Roversi.

L’iscrizione è obbligatoria, per informazioni www.spaziocomune.eu, info@volontariatoepartecipazione.eu.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

La crisi economica e lo spazio comune della rappresentanza

Related posts:

1. Psicodramma del potere di Mauro Baldrati L’altra sera al gruppo di psicodramma ho...
2. The Monti Lessons di Helena Janeczek Forse è stato quando da Fazio ha...
3. Enjoy Poverty di Renzo Martens Questo è un articolo pubblicato su Nazione...
4. Se il destino degli olandesi dipendesse da Scilipoti “Frau Nein” la chiamano ormai dalla Francia agli Stati Uniti,...
5. Costruire mondi comuni. Crisi finanziaria e democrazia di Andrea Inglese Consensus versus canea C’era una volta la...

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

le vacanze della camera (verde)

Related posts:

1. fusione di terza fase / giulio marzaioli FUSIONE DI TERZA FASE di Giulio Marzaioli. Il progetto...
2. Tuscania, 11 settembre 2010 Associazione Culturale Piane di Bronzo, Associazione Culturale Dark Camera e...
3. Variazioni su Persona: concerto di Guerra+Zaffarano La camera verde via G. Miani 20, Roma sabato 22...
4. Jean-Marie Gleize a Roma Giovedì 19 novembre, alle ore 20:30 presso la Libreria Empirìa...
5. Nessi // Effratti – A new house Roma, sabato 21 giugno 2008, ore 20:30 Centro culturale LA...

di Helena Janeczek

Lei non ce la fa più. Vorrebbe andar via, costruire un futuro migliore, soprattutto per sua figlia. Lui ha un padre demente che non vuole abbandonare. Lei, per disperazione e per ricatto, torna a casa dei suoi genitori. Lui resta con la bambina undicenne e il padre che non può essere lasciato solo un attimo. Trova una badante giovane, molto devota e legata alla tradizione. Quando il vecchio si piscia addosso, la donna che è andata a servizio a insaputa del marito, fa ciò che occorre, ma vorrebbe già mollare l’incarico. Lui quasi la costringe a rimanere sino a quando non trova un ricambio. Da qui si dipana un dramma che segue il disgregarsi di due famiglie.
Il padre e il figlio si trovano in un interno tutto bianco: il letto e i divani dal design pulito, l’accappatoio dell’anziano, la camicia che il figlio porta sotto il vestito formale. Il padre non riesce più a deambulare senza sostegno e a controllare le funzioni corporali. Subisce attacchi di dissenteria sempre peggiori, piange senza riuscire a trattenere neanche le lacrime, il figlio lo lava e lo cambia tre volte, il vecchio si imbratta tutto, entrambi piangono. Solo allora il figlio si accorge dell’enorme volto di Cristo sul retro della scena, vi si appoggia contro, la fronte che tocca la bocca del Redentore. Poi il volto si deforma, finisce anche lui completamente imbrattato, si squarcia, cade.
Uno è il riassunto di Sul concetto di Volto nel figlio di Dio, l’altro l’inizio di Una separazione, il film pluripremiato di Ashgar Farhadi. Ciò che li accomuna sono il tema o il motore del dramma – la sofferenza di una persona privata della propria integrità fisica o mentale che devasta anche coloro che vi stanno accanto – e il rischio di censura. Per evitarla, il regista iraniano doveva far passare che quanto stava inscenando non fosse che una storia privata, un dramma umano in cui finiscono inevitabilmente pure aspetti religiosi e sociali. Ne nasce un film assai stratificato, in cui trovano spazio anche la stritolante macchina giuridico-burocratica o il consulto telefonico con cui la badante in pena chiede all’imam quanto sia peccato lavare le parti intime di un estraneo. Il privato troppo umano per essere censurabile diventa trasparentemente pubblico, come spesso accade per l’arte creata sotto regime.
In Occidente dove anything goes, questa volta è capitato non solo che alcuni gruppi di milizia o di preghiera volessero fermare una messa in scena, ma che anche la Chiesa esprimesse la sua preoccupazione. È meramente fortuito e pretestuoso che tra le innumerevoli profanazioni proposte dal teatro contemporaneo, – per non dire dell’onnipresenza di un immaginario pornografico in tv, pubblicità e video musicali – la pietra dello scandalo sia stato uno spettacolo di una semplicità, persino povertà deliberata, dove ciò che aggredisce principalmente lo spettatore sono gli incontenibili, quanto realistici liquidi e liquami dalla vecchia carne? È solo colpa di quel Volto che consegna a chi lo guarda l’interpretazione se sia stato lordato sino a scomparire dall’umiliazione e dalla sofferenza o se invece se ne sia fatto carico?
Nel cosiddetto Occidente è diventato sempre più difficile rappresentare il dolore e il male: non quello abnorme dell’evento traumatico che anzi – come rileva Daniele Giglioli in Senza Trauma – funge da motore prediletto, quasi che visitare luoghi d’oscurità indicibile appaia una delle fonti di legittimità più affidabili per cimentarsi nel racconto; ma la sofferenza quotidiana vissuta nella solitudine di uno spazio privato e di un tempo ripetitivo che non passa. Non è che non esistano narrazioni che mettano al centro malattie e lutti: ma il punto è che quasi tutti ricorrono alla prima persona. Il dramma riguarda solo me o chi mi è prossimo, ne sono esclusi – come dice il titolo rivelatore del libro sulla morte della figlia con cui lo scrittore Philippe Forrest inaugura la scelta dell’autofinzione – Tutti i bambini tranne uno. Il privato, parimenti alle confessioni sbraitate dei reality, urla per essere ascoltato, ma deve o vuole restare singolare.
Lo spettacolo di Castellucci si celebra invece in presenza di qualcun altro. Il Volto per gli uni può farsi specchio della Pietà incarnata, per gli altri di un silenzio che equivale all’assenza, ma intanto sta al centro della scena. La rappresentazione della sofferenza fuori le mura della solitudine individuale ha bisogno di un terzo occhio che non sia soltanto “mio”, di una trascendenza fosse anche solo intesa come comunanza degli esseri umani. Ma tale trascendenza si fonda su una relazione diretta che ammette dubbi, pianti, grida di disperazione o di soccorso, non deleghe e mediazioni istituzionalizzate. L’ambivalenza in cui si trovano le istituzioni cui è affidata la cura dei corpi e delle anime, appare involontaria ma strutturale. Il contratto prevede che la gestione non solo pratica del dolore passi di mano e competenza: competenza che, in quanto specialistica, si pone come separata. Chi riceve aiuto, perde voce in cambio. La condizione del dolore vissuta come incommensurabile e segregata, nasce dalla collaborazione sua malgrado tra il modello del uomo veicolo di produttività ed efficienza e di chi si occupa dello smaltimento delle scorie. Questo nodo non può essere risolto cercando di estendere il potere mondano di qualsiasi religione. Una separazione mostra, al contrario, che più aumenta il controllo teocratico, più vi sfuggono le vicende umane dei fedeli come dei laici, producendo una solitudine speculare che sgretola e separa a sua volta.
Lo scandalo è l’impotenza di fronte al dolore. Nessuno può farci mai abbastanza, inclusa l’arte che è sempre un tentativo di mediazione, seppur la meno imbrigliabile: tranne non distogliere uno sguardo disposto a riconoscersi, come è avvenuto anche a Milano sotto gli occhi dipinti da Antonello da Messina e sotto i nostri occhi simmetrici e frontali.

pubblicato suL’Unità,3 febbraio 2012.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

La censura, la sofferenza, lo scandalo

Related posts:

1. C’è molto di vivo ma non ha vita facile di Daniele Giglioli Eccovi, a grande e giustissima richiesta, il...
2. Sul concetto di Volto nel figlio di Dio di Massimo Marino, Oliviero Ponte di Pino e Attilio...
3. Bellezza, ciao! – Nazione Indiana pm Festa di Nazione Indiana Milano 17-19 giugno, circolo Arci Bellezza,...
4. Scrittura, guerre di Marco Rovelli Tre settimane fa Alessandro Baricco ha dato...
5. Progressismo e sottocultura di Luca Lenzini “Dove sono stati per tutto questo tempo...

Nelle stesse ore in cui Julian Assange si dispone ad affrontare una possibile estradizione in Svezia, alfabeta2 presenta una intervista all’inventore di Wikileaks. A farlo parlare dei suoi progetti e della sua visione del mondo è Hans Ulrich Obrist, che riesce a strappare a Assange una riflessione piuttosto imprevedibile: sotto alcuni aspetti, tutt’altro che secondari, Internet rappresenta una regressione rispetto alla carta stampata.

Altre due interviste: una a Toni Negri, curata da Enrico Donaggio e Daniela Steila per il ciclo su “intellettuali e potere”, e una di Andrea Inglese a François Chesnais, su “Audit sul debito e democrazia diretta”, all’interno di un focus dal titolo  “Povera Europa” (Bifo Bronzini Zorzoli sono tra le altre firme).

Quanto al secondo focus è dedicato al Total Remix, ovvero quella “pratica sempre più comune che consente a utenti, spesso giovanissimi, di esprimere la propria capacità di assimilare, approfondire, criticare e condividere il significato e il valore dei prodotti culturali”.

L’artista che illustra le pagine di alfabeta2 questo mese è il francese Errò, mentre sono di Isabella Balena le fotografie del supplemento alfalibri, che si apre con un percorso di Michele Emmer fra libri mostre film sulla “Matematica fra parole e immagini”).

Tra gli altri testi nel sommario, i Racconti analitici di Freud riletti da Franco Voltaggio, il “diario di traduzione” di Ilide Carmignani alle prese con il romanzo Scene da una battaglia sotterranea di Rodolfo Fogwill, la recensione di Antonella Anedda del volume di Erwin Panofsky sulla scultura funeraria.

sommario

La rivista è già in edicola e in libreria e vi aspetta. E noi aspettiamo i vostri commenti!

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

“Alfabeta2″ n° 16 è in edicola e libreria

Related posts:

1. Dal 5 dicembre il nuovo numero di alfabeta2 Sulla copertina del numero 15 di «alfabeta2», sopra l’immagine di...
2. E-pub: adelante con juicio di Maria Cecilia Averame Parlare di e-book in Italia risulta...
3. dal 4 novembre “alfabeta2″ in edicola e libreria Il potere come natura morta è il titolo della conversazione...
4. Una piccola nota sulla distribuzione [Mi piacerebbe che questo intervento sulla distribuzione fosse letto tenendo...
5. DELLA SERIE: RECIDIVI di PIER LUIGI FERRO Un articolo di Vania Lucia Gaito...

I. C. apparve  nei tardi Anni Sessanta, quando gli artisti cominciarono a creare opere in risposta alle istituzioni che acquistavano e esibivano il loro lavoro. In quegli anni le istituzioni artistiche erano spesso recepite come luoghi di ‘reclusione culturale’ e di conseguenza divennero oggetto di attacchi estetici, politici e teorici.

Il movimento è rappresentato in particolare da artisti come Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren, Andrea Fraser, Fred Wilson and Hans Haacke.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Institutional Critique

Related posts:

1. Enjoy Poverty di Renzo Martens Questo è un articolo pubblicato su Nazione...
2. I limiti dell’arte di Massimo Rizzante A Definire i contorni delle parole è...
3. Resurrectio palermitana – Racconto breve di una video installazione di Vito Chiaramonte È il tramonto che è passato da...
4. Ad Reinhardt, L’art-en-tant-qu’art La seule chose à dire sur l’art est que c’est...
5. La realtà si è fatta furba di Marco Senaldi Non vorrei vantarmi, ma ho scoperto un...

WIM WENDERS
⇨ Pina [2011]

S U B T I T L E S [ITA]

1
00:01:06,239 –> 00:01:09,439
Presto sarà di nuovo primavera.

2
00:01:09,489 –> 00:01:11,894
L’erba cresce.

3
00:01:13,364 –> 00:01:15,817
Poi arriva l’estate,

4
00:01:16,781 –> 00:01:18,937
erba alta,

5
00:01:18,989 –> 00:01:20,186
sole.

6
00:01:21,364 –> 00:01:24,278
Poi arriva l’autunno,

7
00:01:25,114 –> 00:01:27,021
foglie che cadono.

8
00:01:28,280 –> 00:01:30,070
E poi …

9
00:01:30,114 –> 00:01:31,654
inverno.

10
00:01:33,114 –> 00:01:35,021
Primavera.

11
00:01:36,780 –> 00:01:37,858
Estate.

12
00:01:39,489 –> 00:01:40,567
Autunno.

13
00:01:42,363 –> 00:01:43,691
Inverno!

14
00:09:27,854 –> 00:09:31,054
Ci sono situazioni, naturalmente,

15
00:09:31,104 –> 00:09:34,552
che ti lasceranno assolutamente senza parole.

16
00:09:35,146 –> 00:09:37,978
Tutto quello che puoi fare è un
accenno alle cose.

17
00:09:40,479 –> 00:09:43,642
Con le parole, anche, non puoi fare altro

18
00:09:44,521 –> 00:09:48,466
che di evocare le cose.

19
00:09:49,395 –> 00:09:53,259
Ed è qui che la danza entra in gioco di nuovo.

20
00:16:49,137 –> 00:16:51,672
Pina era una pittrice.

21
00:16:51,720 –> 00:16:56,378
Lei ci ha sempre messo in discussione.

22
00:16:57,054 –> 00:16:59,009
é così che siamo diventati pittura,

23
00:16:59,054 –> 00:17:00,795
per colorare le sue immagini.

24
00:17:00,845 –> 00:17:03,085
Per esempio se ti chiedeva

25
00:17:03,137 –> 00:17:05,092
“La luna”

26
00:17:05,137 –> 00:17:07,423
Io rappresentavo la parola con il mio corpo

27
00:17:08,762 –> 00:17:11,250
in modo che potesse vederla e sentirla.

28
00:17:53,053 –> 00:17:57,509
Ho danzato io stessa in Cafè Muller.

29
00:17:57,552 –> 00:18:01,333
Noi tutti tenevamo gli occhi chiusi.

30
00:18:01,386 –> 00:18:04,384
Quando lo riproponemmo,

31
00:18:04,427 –> 00:18:07,342
Non riuscivo a ritrovare la sensazione
della schiena,

32
00:18:07,386 –> 00:18:11,545
un sentimento per me molto importante.

33
00:18:11,594 –> 00:18:14,296
Tutto ad un tratto ho notato

34
00:18:14,344 –> 00:18:16,251
che c’era una grande differenza,

35
00:18:16,302 –> 00:18:19,593
tenendo le palpebre chiuse,

36
00:18:19,594 –> 00:18:23,338
guardando in basso, o così.

37
00:18:24,427 –> 00:18:27,094
Questo ha segnato la differenza!

38
00:18:27,135 –> 00:18:30,548
Il giusto feeling
appariva immediatamente.

39
00:18:32,718 –> 00:18:37,376
E’ incredibile quanto fosse importante.

40
00:18:37,427 –> 00:18:42,380
Il più piccolo dettaglio.

41
00:18:42,427 –> 00:18:44,298
E’ tutto un linguaggio

42
00:18:44,343 –> 00:18:46,417
che si può imparare a leggere.

43
00:19:01,343 –> 00:19:03,215
Abbiamo montato lo spettacolo

44
00:19:03,259 –> 00:19:04,882
in due settimane, Dominique!

45
00:19:04,926 –> 00:19:07,461
La velocità con cui l’abbiamo fatto.
Era incredibile!

46
00:19:07,509 –> 00:19:10,377
Incredibile come l’idea si materializzò

47
00:19:10,426 –> 00:19:15,167
solo da un tavolo e quattro sedie.

48
00:19:15,218 –> 00:19:17,504
Tipico di Pina! Mi ricordo che

49
00:19:18,095 –> 00:19:23,844
diceva: non so se lasciarlo così
vuoto, non so.

50
00:19:25,967 –> 00:19:28,456
- Poi, bang, sedie!
- Esattamente.

51
00:19:28,509 –> 00:19:32,882
Poi, bang!
Rolf giocava con le sedie,

52
00:19:32,926 –> 00:19:36,007
e sono diventate parte integrante del pezzo.

53
00:19:36,050 –> 00:19:38,504
Così bello!

54
00:21:17,382 –> 00:21:19,456
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10.
Vengo!

55
00:22:00,631 –> 00:22:03,084
Anche Kazuo Ohno ci ha lasciati

56
00:22:03,131 –> 00:22:04,588
non molto tempo fa.

57
00:22:05,672 –> 00:22:07,995
Immagino lui e Pina lassù

58
00:22:08,047 –> 00:22:10,085
che ballano insieme …

59
00:22:10,131 –> 00:22:12,619
saltando da una nuvola all’altra.

60
00:25:06,752 –> 00:25:09,205
Pina aveva gli occhi molto penetranti!

61
00:25:09,794 –> 00:25:12,708
Nessuno mi ha mai letto in questo modo.

62
00:25:13,627 –> 00:25:16,495
Tutto quello che ho cercato o preteso
di essere

63
00:25:16,544 –> 00:25:19,411
E’ sparito sotto il suo sguardo.

64
00:25:19,460 –> 00:25:21,865
Invece, lei ha visto qualcosa

65
00:25:21,919 –> 00:25:23,993
Io ne avevo paura

66
00:25:24,044 –> 00:25:26,792
perchè non lo conoscevo ancora.

67
00:27:18,208 –> 00:27:19,914
Chi era Pina?

68
00:27:20,583 –> 00:27:23,746
Un insieme di fragilità e forza.

69
00:27:24,416 –> 00:27:26,454
Aveva anche una capacità

70
00:27:26,499 –> 00:27:28,869
infinita di ascoltare e guardare,

71
00:27:28,916 –> 00:27:32,198
e superare tutti i suoi limiti.

72
00:27:32,249 –> 00:27:34,489
Così me la immagino, come una casa

73
00:27:34,541 –> 00:27:38,286
con una soffitta enorme piena di
cose dentro.

74
00:30:54,162 –> 00:30:56,733
Pina non era prevista nello spettacolo.

75
00:30:56,787 –> 00:30:59,192
Ti dimenticavi sempre i tuoi movimenti

76
00:30:59,245 –> 00:31:01,994
e ti rifiutavi di farlo senza di lei!

77
00:31:02,037 –> 00:31:06,326
Ecco, volevamo danzasse anche lei …

78
00:31:06,370 –> 00:31:08,859
Dici perchè mi mostrasse i movimenti?
Ma dai!

79
00:31:08,912 –> 00:31:10,653
Ma è vero!

80
00:31:11,537 –> 00:31:14,203
Ho insistito sul fatto che danzasse

81
00:31:14,245 –> 00:31:17,159
perchè era l’unico modo affinchè la
si vedesse sul palco!

82
00:32:20,244 –> 00:32:22,910
Non ho mai, mai voluto
danzare in Cafe Muller.

83
00:32:24,119 –> 00:32:26,689
Quando Pina mi chiese di imparare
la sua parte

84
00:32:27,452 –> 00:32:29,075
Le dissi sì.

85
00:32:29,118 –> 00:32:31,239
Ma non l’ho mai imparato.

86
00:32:32,243 –> 00:32:34,779
Volevo che danzasse sempre.

87
00:32:35,535 –> 00:32:38,202
Ho visto spesso Pina in Cafe Muller.

88
00:32:39,077 –> 00:32:43,284
Provavo a sentire ciò che lei provava.

89
00:32:43,951 –> 00:32:47,364
Come camminava era come se avesse
un buco nella pancia,

90
00:32:47,993 –> 00:32:51,157
come se si trovasse nel regno
dei morti.

91
00:32:51,201 –> 00:32:54,401
Quando sono sul palco oggi,

92
00:32:55,326 –> 00:32:57,400
Cerco di immaginare Pina

93
00:32:58,410 –> 00:33:00,530
il suo dolore,

94
00:33:00,576 –> 00:33:02,650
ma anche la sua forza

95
00:33:03,743 –> 00:33:05,733
e la sua solitudine.

96
00:36:06,322 –> 00:36:08,728
Danzavamo e ridevamo tutto il tempo.

97
00:36:08,781 –> 00:36:10,190
Stavamo sempre insieme

98
00:36:10,239 –> 00:36:12,395
fino alle quattro del mattino
a parlare

99
00:36:12,447 –> 00:36:15,398
e ideare qualcosa per il giorno successivo.

100
00:36:15,447 –> 00:36:17,852
Questo era all’inizio della compagnia.

101
00:36:18,239 –> 00:36:21,486
Ci incontravamo alla stazione di Barmen

102
00:36:21,530 –> 00:36:23,023
ogni mattina

103
00:36:23,072 –> 00:36:24,778
per un caffè e un panino

104
00:36:24,822 –> 00:36:26,860
e si parlava del lavoro della giornata.

105
00:36:27,522 –> 00:36:31,260
“Io lavoro con degli angeli. Tu sei
un angelo, sei bellissimo…”

106
00:36:31,405 –> 00:36:35,399
Hai sempre l’impressione di essere
più di un semplice umano

107
00:36:35,447 –> 00:36:37,521
lavorando con Pina.

108
00:37:25,571 –> 00:37:26,945
E’ stato bello

109
00:37:26,988 –> 00:37:29,855
essendo una danzatrice più anziana
con Pina!

110
00:37:29,904 –> 00:37:33,352
Beh, anche i primi anni erano belli.

111
00:37:36,112 –> 00:37:40,153
Avevo 24 anni quando sono venuta
a Wuppertal.

112
00:37:40,196 –> 00:37:43,312
Ma a 40, di più e di più

113
00:37:43,362 –> 00:37:47,770
Ho pensato: “Tutto questo spazio,
tutte queste opportunità! ”

114
00:37:47,820 –> 00:37:50,735
Gli occhi di Pina trasformavano tutto
ciò che facevamo

115
00:37:50,779 –> 00:37:54,523
in qualcosa di ancora più bello.

116
00:37:55,112 –> 00:37:58,229
Si poteva essere vecchio e un bambino,
allo stesso tempo.

117
00:40:32,650 –> 00:40:35,483
Dopo una prova terribile di Ifigenia

118
00:40:35,525 –> 00:40:38,808
Pina non mi disse nessuna parola.

119
00:40:38,859 –> 00:40:41,691
Prima dello spettacolo,

120
00:40:41,734 –> 00:40:45,265
lei venne da me e disse come al solito,
“Litzchen, sii buono!”

121
00:40:45,317 –> 00:40:47,391
E le rispondevo come sempre,

122
00:40:47,442 –> 00:40:49,349
“Pinchen, goditela!”

123
00:40:49,400 –> 00:40:52,730
Andando via, rivolgendosi dalla porta,
diceva:

124
00:40:52,775 –> 00:40:55,939
“Non dimenticarti, mi devi spaventare!”

125
00:40:55,983 –> 00:40:58,021
Subito la mia testa cominciava a girare.

126
00:40:58,167 –> 00:41:01,432
Questo fu più di un punto su cui
parlare per ore.

127
00:42:45,383 –> 00:42:48,421
Pina aveva uno sguardo così bello
quando guardava e ci guardava

128
00:42:49,003 –> 00:42:55,241
Nel suo universo tutto era luminoso
così come il suo sguardo di ogni giorno.

129
00:42:55,983 –> 00:42:59,321
Vivendo ogni momento di danza,
a volte sembrava una bambina

130
00:42:59,683 –> 00:43:01,721
per tutti i sentimenti
che la attraversavano

131
00:44:08,903 –> 00:44:12,241
A volte penso a Pina che,
da dietro il suo tavolo

132
00:44:12,783 –> 00:44:16,321
mi ha osservato per 22 anni,

133
00:44:16,783 –> 00:44:18,991
molto di più di quanto l’abbiano fatto
i miei genitori!

134
00:45:56,686 –> 00:45:59,518
Quando entrai in compagnia, non riuscivo
a capire

135
00:45:59,561 –> 00:46:01,137
il lavoro di Pina.

136
00:46:01,186 –> 00:46:02,678
E lei non lo spiegava.

137
00:46:03,102 –> 00:46:04,560
Mi ero persa.

138
00:46:05,311 –> 00:46:06,969
Fino a quando ho realizzato

139
00:46:07,019 –> 00:46:10,017
Ho dovuto tirarmi per i capelli per
tirarmi su.

140
00:51:21,263 –> 00:51:23,549
Questa è di carne di vitello!

141
00:54:55,883 –> 00:54:57,673
Che cosa è l’onestà?

142
00:54:57,717 –> 00:54:59,588
Qual è la nostra responsabilità

143
00:54:59,633 –> 00:55:02,252
anche quando si balla?

144
00:55:02,883 –> 00:55:06,462
Pina ci ha insegnato a difendere
quello che facciamo,

145
00:55:06,508 –> 00:55:08,629
ogni gesto,

146
00:55:08,675 –> 00:55:10,961
ogni passo e ogni movimento.

147
00:56:53,506 –> 00:56:56,338
Pina ha sempre voluto mettere in evidenza

148
00:56:56,381 –> 00:56:58,952
il meglio in tutti i suoi danzatori.

149
00:57:00,298 –> 00:57:01,874
Una volta mi disse,

150
00:57:01,923 –> 00:57:05,335
“La vostra fragilità è anche la
vostra forza!”

151
01:06:51,744 –> 01:06:54,114
Per Luna Piena

152
01:06:54,161 –> 01:06:58,237
chiese un gesto correlato alla “gioia”

153
01:06:58,952 –> 01:07:02,199
o al piacere del muoversi.

154
01:07:02,786 –> 01:07:05,737
La sua richiesta mi aveva veramente
ispirato.

155
01:07:05,786 –> 01:07:10,075
Dal movimento che presentai,

156
01:07:10,119 –> 01:07:12,737
lei cre˜ un’intera scena.

157
01:07:58,326 –> 01:08:00,068
Me ne stavo sempre in un angolo

158
01:08:00,118 –> 01:08:02,523
o nascosta dietro qualcuno,

159
01:08:02,576 –> 01:08:04,567
quando stava dando correzioni.

160
01:08:04,618 –> 01:08:08,113
Forse perchè la rispettavo molto.

161
01:08:08,159 –> 01:08:10,280
Una volta mi prese da parte.

162
01:08:10,326 –> 01:08:12,779
Mi chiese con voce triste,

163
01:08:12,826 –> 01:08:15,610
“Ditta, perchè hai così paura di me?”

164
01:08:15,659 –> 01:08:17,531
“Non ho fatto niente”.

165
01:08:17,576 –> 01:08:19,199
Aveva ragione.

166
01:08:19,242 –> 01:08:22,857
E a poco a poco ho perso
la mia timidezza.

167
01:11:55,613 –> 01:11:58,066
A volte diceva cose del tipo:

168
01:11:58,113 –> 01:11:59,938
“Andate a cercare!”

169
01:11:59,988 –> 01:12:02,109
Ma questo era tutto ciò che diceva.

170
01:12:02,155 –> 01:12:04,560
Significava che si doveva continuare
a cercare

171
01:12:04,613 –> 01:12:06,402
senza sapere dove guardare,

172
01:12:06,446 –> 01:12:09,728
nè se eri sulla strada giusta.

173
01:16:39,024 –> 01:16:42,639
Pina, io non ti ho ancora
sognata!

174
01:16:43,357 –> 01:16:46,889
Per favore, vieni a trovarmi in sogno.

175
01:16:46,941 –> 01:16:48,517
Ho ricevuto tue notizie da Dafni,

176
01:16:48,566 –> 01:16:50,355
che ti sogna continuamente.

177
01:16:50,399 –> 01:16:52,188
Ma non è la stessa cosa.

178
01:16:52,232 –> 01:16:55,017
Sarebbe bello che tu mi apparissi!

179
01:16:55,065 –> 01:16:57,139
Ti sto aspettando, Pina.

180
01:17:43,523 –> 01:17:45,597
Pina ci ha lasciato così presto,

181
01:17:46,689 –> 01:17:48,312
così di sorpresa.

182
01:17:49,356 –> 01:17:51,642
Penso che alla fine

183
01:17:51,689 –> 01:17:54,225
si è lasciata tutto alle spalle

184
01:17:55,064 –> 01:17:56,854
ed era libera.

185
01:17:57,773 –> 01:18:00,178
Ecco perchè ho voluto darle

186
01:18:00,731 –> 01:18:02,520
questo momento di leggerezza,

187
01:18:03,356 –> 01:18:06,519
questa sensazione di leggerezza.

188
01:22:53,100 –> 01:22:55,553
Come figlia di Dominique e Malou

189
01:22:55,600 –> 01:22:58,514
Sono stata la prima bambina in compagnia.

190
01:22:58,558 –> 01:23:01,473
Sono cresciuta all’interno del Tanztheater.

191
01:23:02,433 –> 01:23:04,388
La vita senza Pina?

192
01:23:04,433 –> 01:23:06,388
Io non so cosa sia.

193
01:23:49,766 –> 01:23:53,131
Quando a Wuppertal ero agli inizi

194
01:23:53,182 –> 01:23:56,215
ero confuso su alcune cose,

195
01:23:56,265 –> 01:23:58,303
lei mi disse solamente …

196
01:23:59,165 –> 01:24:00,503
“danza per amore”

197
01:24:30,018 –> 01:24:35,438
Tutto i suoi pezzi erano sull’amore e il
dolore, sulla bellezza e la solitudine.

198
01:24:36,238 –> 01:24:39,903
Quando ebbi questa relazione d’amore
per un ippopotamo,

199
01:24:40,030 –> 01:24:42,650
avevo 28 anni circa quando feci
questo pezzo,

200
01:24:42,903 –> 01:24:47,993
mi ero identificata con questo
animale tipo mostro

201
01:24:48,212 –> 01:24:49,832
e cercavo di comprenderlo

202
01:24:49,973 –> 01:24:59,273
e da allora ho lavorato, lavorato,
lavorato….e lavorato, lavorato…

203
01:25:07,431 –> 01:25:08,888
Per Pina,

204
01:25:08,931 –> 01:25:11,170
gli elementi sono stati molto importanti.

205
01:25:11,222 –> 01:25:13,971
La sabbia o la terra,

206
01:25:14,014 –> 01:25:16,300
pietre o acqua …

207
01:25:16,347 –> 01:25:20,009
In qualche modo, anche gli iceberg
e le rocce sono apparsi sul palco.

208
01:25:20,055 –> 01:25:22,804
Quando si danza, si trasformano in …

209
01:25:22,847 –> 01:25:24,256
ostacoli.

210
01:25:24,305 –> 01:25:28,216
Devi andare contro o attraverso di loro,

211
01:25:28,264 –> 01:25:30,338
o salire su di loro …

212
01:27:57,951 –> 01:28:02,871
I lavori di Pina potevano produrti
tristezza, rabbia

213
01:28:03,188 –> 01:28:06,988
o il desiderio di piangere, di
abbandonarti o di gridare

214
01:28:07,192 –> 01:28:08,999
e lei raccoglieva tutte queste qualità,

215
01:28:09,163 –> 01:28:13,360
questa era Pina, trovava ciò
che era nascosto,

216
01:28:13,383 –> 01:28:16,883
non poteva fare altrimenti,
faceva parte di essa.

217
01:33:09,629 –> 01:33:12,296
Pina era un esploratrice radicale.

218
01:33:12,338 –> 01:33:15,087
Guardava in profondità nelle nostre anime.

219
01:33:15,129 –> 01:33:18,826
C’era un argomento in particolare,
lei continuava a chiederci:

220
01:33:18,879 –> 01:33:21,332
Che cosa stiamo cercando?

221
01:33:21,379 –> 01:33:24,792
Da dove viene tutto questo
desiderio?

222
01:37:24,779 –> 01:37:30,092
“Danza, danza altrimenti siamo persi…”

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

WIM WENDERS&PINA BAUSCH “Pina” [2011]

Related posts:

1. … come solo le bacche sanno cadere. [ ai bambini "dimenticati" ]     [ "Il cielo...
2. Richard Hamilton [1922 - 2011] ⇨ Just what is it that makes today’s homes...
3. VISIONI in TRALICE [I] I can’t hide you the rock cried out [ da NUOVOMONDO di Emanuele Crialese] di Orsola Puecher...
4. PETER FALK [1927-2011] Io sono un amico… compañero. “I’m a friend… compañero.”    di Orsola Puecher      Il...
5. * * da cenere oro * hiberno pulvere   Venezia – Gran Teatro La Fenice...

di Zoè Gruni

“Malocchio 1″ è stato esposto nel 2011 ad Arte Fiera a Bologna (Galleria Il Ponte) e alla Biennale di Venezia, nella mostra “L’Arte non e’ cosa nostra” PADIGLIONE ITALIA/ACCADEMIA presso le Tese di San Cristoforo, Arsenale. In questa occasione il lavoro ha suscitato un po’ di “superstizioso risentimento” aggiudicandosi anche una lettera polemica dallo staff: “Il lavoro non è in linea con il contesto espositivo poiché si tratta di immagini assai incisive e di impatto estremamente diretto”.

Malocchio I
Malocchio II

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Malocchio

Related posts:

1. Corpo, paura ed esorcismo. L’arte di Zoè Gruni I cannot contain my life. SYLVIA PLATH, Three Women...
2. ETERNAL SUNSHINE Personale di Federico Gori. A cura di Fabio Migliorati....
3. Futuro Presente A Faenza dal 23 al 25 Maggio si terrà il...
4. Resurrectio palermitana – Racconto breve di una video installazione di Vito Chiaramonte È il tramonto che è passato da...
5. La realtà si è fatta furba di Marco Senaldi Non vorrei vantarmi, ma ho scoperto un...

Segnalo la bella iniziativa di Germanistica.net, dove una comunità di lettori sta scegliendo un testo della letteratura tedesca da leggere o da rileggere insieme. Invito tutti a partecipare al gioco.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Stammtisch

Related posts:

1. Enrico Filippini, sintesi di movimento di Michele Sisto Nei primi anni sessanta Enrico Filippini è...
2. Un minuto di silenzio di Gianni Biondillo Siegfried Lenz, Un minuto di silenzio,...
3. Adagiato di Friedhelm Rathjen traduzione di Elisa Perotti Quando mi guardai...
4. Ulrich Holbein di Frank Schäfer traduzione di Elisa Perotti Catweazle? Hippy...
5. Il paese delle prugne verdi di Gianni Biondillo Herta Müller, Il paese delle prugne...

15 gennaio 2012

1. Su alcune posizioni di metodo nell’analisi contemporanea del mito

Il problema del mito è un hic Rhodus hic salta per molta parte della cultura contemporanea.
È nel mito che per esempio Marcel Detienne finisce per scorgere una «specie introvabile, oggetto misterioso dissolto nelle acque della mitologia», una sorta di schermo allegorico su cui proiettare «ogni realtà metafisica che si voglia» in modo da fare della mitologia stessa «la saggezza superiore di un continente fantasma» (1).

Un momento fondamentale della riflessione sul mito è ovviamente la distinzione, risalente a Kerènyi, fra mito genuino e mito tecnicizzato (2) , mito “genuino” essendo la dimensione antropologica spontanea del mito stesso in quanto sistema segnico fondante per una cultura, in opposizione alla cupa tecnica sociale di deliberata strumentalizzazione pragmatica del mito a fini politici, all’interno di una strategia di dominio. Derivato della teoria kerenyiana della tecnicizzazione del mito è il modello idealtipico della “macchina mitologica”, proprio del pensiero di Furio Jesi (3). Secondo quella che potremmo approsimativamente definire la linea di pensiero Kerènyi-Jesi, la tecnicizzazione del mito attuata dalle ideologie totalitarie novecentesche è un esempio tipico di dispiegamento di meccanismo segnico di narrazioni socialmente evocative vòlte a proiettare ideologicamente sulla storia un’aura onnipervasiva di miticità. Il fascino arcaico dell’aura del mito definirebbe allora una “religione della morte” dietro cui si cela una “religione del potere”, potere che impiega la stessa religione della morte per consacrare sé stesso, ponendosi così al riparo della più inamovibile delle legittimazioni. Sulla scorta della fondamentale distinzione kerenyiana, nel pensiero di Jesi il mito finisce per diventare uno “zero efficiente”, una segnicità vuota, o quantomeno svuotata, dotata però di pura forza pragmatica, ed efficace come strumento tecnico di dominio: di qui la necessità, sul piano del metodo e dell’interpretazione dei miti, essa stessa soggetta al mitologismo ideologizzato, di cancellare l’idea che il mito sia sostanzialmente qualcosa.
La posizione di Jesi è indubbiamente funzionale alla prospettiva dell’antropologo militante: essa si presenta come la base epistemologica della decostruzione di ogni futura pretesa di fondare sul mito una qualsiasi forma di legittimazione culturale del potere, della Gewalt. Tuttavia, come ogni orientamento che abbia dentro di sé un elemento di decostruzionismo, anche la cristallina visione jesiana può prestare il fianco a derive concettuali equivoche, nel momento in cui sussiste il rischio reale di sostituire a un’antropologia inquinata di mitologismo, un’antropologia della morte del mito, o peggio un’antropologia del nulla. Se un certo mitologismo sembra (ed è) la traduzione in chiave etnologica di uno storicismo simil-idealistico, la riduzione del mito a zero efficiente sembra almeno in parte venata di uno spirito di riduzionismo che rischia di deprivare di ogni legittimità e autonomia la stessa analisi del mito, e del materiale mitologico, come fenomeno storico-culturale. Di fatto, se il mitologismo sottende una sorta di implicita teologia, sul fronte opposto si rischia una teologia negazionistica di valore uguale e segno contrario. Il fenomeno in sé, nientificato, finirebbe lasciato in balia degli impressionismi e delle strumentalizzazioni; la stessa efficacia pragmatica della macchina del mito rischia di rimanere inesplicata: l’abitare la distanza, che dovrebbe essere la caratteristica del mitologo secondo Jesi, si traduce allora in una sostanziale perdita di contatto, la cosiddetta storia della storiografia riducendosi  in potenza a una semplice collazione (o peggio collezione) di dossografie difformi, sociologicamente ridotte, della mente primitiva, che in quanto primitiva si percepisce di fatto collocata in uno stato di intrinseca minorità.
Il tema del mito degradato e mutato in macchina sociale ha dietro di sé una lunga storia, fatta di inopinate svolte e curiose convergenze. A parte Kerènyi e la sua distinzione fra mito genuino e mito tecnicizzato, si potrebbe risalire quantomeno all’evoluzione stadiale del paideuma, elemento costitutivo della paideia di una civiltà, nei termini del pensiero enucleato da Leo Frobenius  (4), che peraltro, influenzato com’è da Spengler, sarebbe decisamente da collocarsi nel campo avverso rispetto a Jesi,  cioè nella corrente di quell’etnologia (di matrice storicistica) soffusa di aura ierologica che il pensiero jesiano stigmatizza. Com’è noto, nel panorama organicistico del Kulturkreis che Frobenius delinea, i paideumi attraversano una fase di Ergriffenheit, un momento aurorale creativo di concettualizzazione e metaforizzazione primaria a cui appartengono sia le prime forme d’arte sia la mitopoiesi “genuina”, per poi passare attraverso un periodo di Ausdruck, o fase di sviluppo e maturazione, a cui fa séguito l’Anwendung, stadio (decadente) di meccanicizzazione e tecnicizzazione, in cui gli stessi tratti identificativi del paideuma si degradano in funzione di uno strumentalismo deteriore. L’Anwendung frobeniana e la macchina mitologica di Jesi, figli di due differenti temperie storico-culturali e di due tradizioni di ricerca ben distinte, trovano in certo modo insospettabili consonanze nei risultati d’inquadramento dei problemi, ferma comunque restando la radicale diversità dell’Einblick di partenza. Il possibile nesso concettuale fra la dinamica dell’Anwendung (tecnicizzazione-strumentalizzazione) e il paradigma della macchina mitologica asservita alla Gewalt è abbastanza evidente in sé: la conclusione, che a taluno parrà forse curiosa, se non addirittura forzata, è che in sostanza il concetto frobeniano di un contesto culturale deteriorato dal dominio di un tecnicismo finalizzato al controllo ingloba e implica di fatto come caso particolare la speculazione jesiana relativa al degrado del mito in un’atmosfera storica alterata e miticizzata, funzionale a un qualsiasi ideologismo asservitore.
Il problema è in sostanza più ampio e profondo: come ho cercato finora di argomentare, qualora ci si attenga unilateralmente all’idolum tribus dell’analisi della cultura di destra in Italia (con qualche apertura al contesto europeo), si rischierebbe di trasformare in norme generali dell’indagine sul mito quelle che sono soltanto categorie e ipotesi di lavoro attivate nel contesto di un’indagine storiografica particolare. Seguendo in vario modo la militanza ideologica (anche se per Jesi sarebbe più corretto dire ideale) c’è il serio rischio di un inquinamento politico del dibattito antropologico. Un caso tipico degli effetti di questo inquinamento è stato per esempio il ricorrente tentativo di una parte significativa della cultura di sinistra di rovistare il pensiero di un Mircea Eliade alla ricerca di una sorta di cripto-apologia dell’olocausto, quasi che si debba schiacciare l’intera evoluzione del pensiero di Eliade stesso alla sua fase giovanile di vicinanza a Codreanu. Da questo punto di vista, una disamina obbiettiva e meno ingenerosa del problema Eliade viene ad esempio da Robert Ellwood, che senza agiografie, censure e ripuliture giustificatrici mette ben in evidenza come, al di là del vecchio errore di valutazione sul movimento guardista, la fascinazione dello studioso romeno per la dimensione primordiale del mito non sia affatto indizio di organico reazionarismo: Eliade non vede nella tradizione una forza vincolante e assoluta, o una verità da preservare, essendo egli conscio che le tradizioni stesse vivono storicamente nel mutamento e nell’occultamento, così che sul piano metodologico e lato sensu conoscitivo la questione non è pretendere di rinnovarle, quanto piuttosto scoprire dove si nascondono (5). Questa nota distintiva del pensiero eliadiano implica, ovviamente, una presa di distanza all’interno di una prospettiva storica: tratto che poi non è dissimillimo dalla presa di distanza Jesiana… A questo punto ciò che influisce sono i fattori disposizionali nei confronti dell’oggetto di indagine e le determinazioni storiche dell’osservatore. Il mito come problema resta sullo sfondo, come terzo incomodo di un dibattito nel quale tutti sono interessati ad altro. Ma qualcuno potrebbe dire: non è in definitiva questo il punto, nell’ambito delle cosiddette scienze umane (o Geisteswissenschaften -scienze dello spirito che rischiano ora di diventare scienze di fantasmi): il gioco delle precomprensioni e dei pregiudizi dell’interprete? Senza dubbio: però nel contesto dell’ermeneutica (quella di Gadamer, non quella di Vattimo, naturalmente) l’alterità dell’oggetto (del testo) continua a sussistere e a imporre una trasformazione critica di tutti i pregiudizi e di tutte le precomprensioni. Non si tratta tanto di tornare al vituperato pregiudizio essenzialistico, quanto di riscoprire un minimo di pregiudiziale di realismo. Sostanzialmente, la devianza interpretativa o la strumentalizzazione sono possibilità storiche che non autorizzano l’azzeramento dell’oggetto-mito, pena l’azzeramento critico e dunque l’inefficacia della stessa posizione “militante”. Ciò vuol dire che non esistono zeri efficienti, com’è vero che operari ed esse sono in un qualche modo sempre legati, quale che sia, nella struttura logica del giudizio, la loro collocazione rispetto al sequitur: ponendosi al di fuori di questa prospettiva, allora sì l’azione e la presenza storica del mito, mutate in un effettivo non sequitur, restano (detiennianamente) un mistero della fede (poco importa il segno e l’orientamento della fede in questione) e ogni analisi o disamina che ne deriveranno saranno destinate ad acquisire lo statuto di razionalizzazioni incoerenti del gradimento politico o di deviazioni definitorie di contenuti forclusi. Ammesso che il mito sia cosa da cui liberarsi, come da una nevrosi o da una coazione a ripetere, l’uomo occidentale rischia comunque, in tal modo, di continuare a farsi agire dal mito, con buona pace del politically (e anthropologically) correct.

2. Possibili approcci alternativi – Il mito come carrefour paideutico primario

Le analisi che confinano la deriva tecnica del mito in una fase storica, intridendola in modo più o meno latente dei toni del giudizio di valore, contengono in sé i limiti che ogni giudizio di valore comporta: la preclusione all’accertamento e alla presa d’atto di ampi connotati del mito stesso nella sua effettualità. Jean-Pierre Vernant (6) definisce in prima battuta il mythos come il quadro di narrazioni in cui l’uomo greco era abituato sin dall’infanzia a pensare la realtà che lo circondava. Riancorarsi alla vecchia filologia classica e alla lingua d’origine del termine incriminato (sarà mia deformazione professionale), parrà a qualcuno un ritorno all’ovvio dell’ultra-liceo: resta forse in ogni caso il modo meno improprio di considerare la questione: spesso infatti il savant moderno e modernista, emancipatosi ad abitare la distanza, finisce per credersi antico, come i Greci davanti agli Egizi nel racconto del sacerdote di Sais -e credendosi antico, si finge ignaro abitatore del nuovo.
Sulla base dell’approccio di Vernant, si comprende fino a che punto il mito si presenti come discorso di riuso, Wiedergebrauchsrede (7): un discorso la cui efficacia non si esaurisce sul momento (non è discorso di consumo, Verbrauchsrede), ma è pragmaticamente disponibile a una molteplicità di ricollocazioni e ricontestualizzazioni. Questo avviene giocoforza: essendo il mito la prima applicazione del linguaggio all’arte di esprimere su larga scala la costruzione del mondo, è ovviamente legato al primordiale double bind della paradigmaticità e della sintagmaticità del linguaggio stesso (8). Conseguenza di questa elementare constatazione è che l’originaria teoria stadiale frobeniana andrà sostituita da una visione sincronica; il mito contiene in sé per sua costituzione intrinseca la funzione strutturante del paideuma: in esso la paradigmaticità aurorale, la problematicità dell’esperienza e la possibilità della tecnicizzazione sono perciò sempre attive, sia pur in diverse gradazioni. Si potrebbe obbiettare che finora il termine mito è stato impiegato senza ulteriori suddistinzioni concettuali. Di cosa parliamo? Del singolo mito (o di un gruppo di miti tematicamente connessi nella memoria di una cultura primitiva)? Del corpus dei miti di una cultura storicamente definita? O della mitopoiesi umana come presunta possibilità culturale sempre riattivabile? In realtà il termine mito sarà qui volutamente lasciato nel vago, a sottendere tutte e tre queste accezioni, e a fungere da iperonimo di sé stesso. La ragione è ovvia: in primo luogo, dovrebbe apparire abbastanza pacifico a chiunque che ogni singolo mito presuppone, nel suo sviluppo, il quadro degli altri miti della cultura in cui si inserisce: come una monade leibniziana, è unico e irripetibile e nello stesso tempo implica in nuce (come futurizioni antropologiche o come memorie più o meno latenti) interpretazioni e versioni vecchie e nuove, e contiene in modo più o meno nascosto i nessi che lo collegano agli altri miti e alle altre tradizioni immediatamente contigue e al quadro complessivo della civiltà di cui è espressione. A chi dovesse rimanere dubbioso,  basterà tener presente un dato di partenza essenziale: i personaggi “forti” del mito sono strettamente legati all’oralità primaria di cui il mito come tale (in quanto parola articolata oralmente -non a caso il greco mythos e l’inglese mouth sono linguisticamente apparentati (9) ) è in origine il tessuto cognitivo (10). Il mito (il singolo mito, il corpus di miti, la comunicazione mitopoietica) è perciò espressione diretta della psicodinamica delle società orali, non solo a livello comunicativo, ma a livello di pertinentizzazione del dato dell’esperienza. Ma oltre a essere espressione diretta di una psicodinamica primordiale, il mito come tale è altresì un embrione di testualità (e la metafora del racconto come textus, ovvero tessuto verbale, è ampiamente diffusa, come mostrano Calvert Watkins (11) e Anthony Thuck (12) ), ed è perciò legato alle elementari dinamiche dell’interpretazione testuale: ne risulta in specie la connessione spontanea fra la totalità minore del singolo mito e la totalità maggiore del complesso di miti a cui il singolo mito si lega. La riutilizzabilità del mito implica altresì che alcuni contenuti ne risultino, col tempo, opacizzati, mentre innovazioni del senso e del segno vi saranno inseriti senza alcun problema. In tal modo i miti, come discorsi di riuso, hanno presa diretta, sul piano psicologico, al di là del tempo in cui si sono strutturati. In principio nascono già come linguaggio tecnico: per esempio, tecnica di memorizzazione di cognizioni astronomiche o cosmogoniche (13), o di formule che accompagnano procedimenti terapici (14). Ciò che fanno è strutturare il mondo secondo metafore fondamentali, la cui origine è spesso perduta nelle brume della preistoria (15), e in ogni caso rimonta alla spontanea dinamica di metaforizzazione propria dell’uomo, cioè alla tendenza primitiva dell’uomo stesso a spiegarsi il mondo esterno, ostile e ignoto, ricorrendo a pacchetti metaforico-cognitivi legati ai domini concettuali corporei dell’esperienza sensorio-motoria, inseriti all’interno della curva buona e del destino comune di un riorientamento gestaltico dell’esperienza stessa (16). Similitudini e metafore antropomorfizzanti che spiegano il mondo (17) si strutturano spontaneamente in narrazioni all’interno di contesti esplicativi situazionali (18): altrettanto spontaneamente, prima che la Musa prenda in mano il calamo e la voce del cantore si trasformi nello stile del poeta (19), le grandi intuizioni sul mondo si esprimono in racconti, e le forze naturali sono percepite come presenze senzienti (20).

3. Miti e archetipi.

Pacchetti di metafore legati alla naturale dimensione di embodiment, di incorporazione, della mente umana, snodi concettuali trasformati in personaggi tipici, che si atteggiano in enunciati situazionali e sono drammatizzati all’interno di narrazioni tramandate mediante performances verbomotorie più o meno complesse, più o meno ritualizzate, più o meno pubbliche (dalla fiaba accanto alla culla fino al sacerdote delle Muse con il suo mirabile ramo di lauro): se questa descrizione del mito è almeno in parte sensata, la vecchia connessione freudiana e poi junghiana fra mito, psicologia del profondo o archetipo (21) trova allora una sua naturale collocazione, essendo la stessa struttura simmetrica delle metafore di schema non idiosincratiche di matrice biologica (umido-vita; secco-morte; caldo-protezione; freddo-ostilità etc.), a fornire l’anello di congiunzione fra schemi motivazionali, pulsionali e comportamentali tipici (archetipi psichici) e quegli schemi narrativo-metaforici che si coagulano attorno a dèi ed eroi (archetipi mitici). Non è poi casuale che presso i Greci, all’altro capo della transizione dall’oralità alla scrittura, nella filosofia di Platone, sia sempre il mythos, stavolta nel ruolo di complemento del logos, a costituirsi come anticamera cognitiva dell’attingimento del piano trascendente delle idee, cioè di quegli archetipi epistemici attorno a cui si consuma la lotta con l’angelo del pensiero occidentale, quasi che nella sua organizzazione della natura e della società l’uomo continui a centrare le sue scelte attorno a un ruolo di interprete di archetipi, attore protagonista del dramma in cui si traduce quella fame di forme che Ernst Bloch riconosceva come tendenza latente nella materia e nella natura. Da questo punto di vista la distinzione tradizionale (kerenyiana) fra mito (origine) e mitologia (racconti dell’origine) passa in secondo piano, o meglio, la mito-logia si ridefinisce come espressione esteriore, tramandata, del mito, che non cessa, in quanto origine, di agire in qualche modo all’interno dei materiali mitologici che ne sono l’espressione particolare: piuttosto si trasforma ed evolve, occultandosi (eliadianamente) come tradizione, o riproponendosi, a fronte della trasformazione psicodinamica e cognitiva che nella storia delle culture si attua a ogni transizione mediatica, dall’oralità alla scrittura, dalla scrittura del copista alla stampa, dalla stampa all’interattività multimediale dell’èra dell’informazione. Il problema non è allora disinnescare il mito nullificandolo epistemologicamente: semmai sarebbe necessario escogitare gli strumenti atti a disarmare la Gewalt (totalitaria o pubblicitaria (22) ), ritogliendole un patrimonio di cui si è indebitamente appropriata: un patrimonio che ha svilito, degradandolo a discorso di consumo (ovviamente deprivato dell’originaria forma poetica) ad uso delle masse da narcotizzare per il mercato o per la guerra.

4. Conclusioni e implicazioni.

Tornando al primum movens di questo lungo articolo, che volge alla sua conclusione, il mito come snodo o carrefour paideutico (e paideumico) primario ha in sé un aspetto non tanto reazionario, quanto omeostatico, come la cultura orale che lo esprime e lo tramanda in forma di racconto della nonna o di poema epico (23). Il suo ruolo di spina dorsale della continuità culturale come espressione di un equilibrio fra l’uomo, la società, la natura e le circostanze storiche, fa del mito stesso l’area dal socioletto più conservativo (e non a caso la comparazione linguistica può essere agevolmente seguita dalla comparazione mitografica e antropologica). Questo spiega ovviamente come mai, per riprendere tematiche e indagini jesiane, nella prima fase dell’età industriale, gli studiosi del mito che hanno ceduto al fascino degli archetipi (e quegli esoteristi che ne sono stati in qualche modo il ramo degradato o deviante) siano apparsi fin troppo vulnerabili rispetto all’influsso e alla seduzione delle correnti più reazionarie della politica europea, che sfociarono nei distruttivi irrazionalismi scatenatisi nelle due guerre mondiali. Lo stesso uso del mito da parte della propaganda autoritaria e totalitaria si spiega a partire dalla dimensione comunicativa del contesto in cui si verifica. Nella deriva socio-economica e culturale che segnò la storia d’Europa nella cosiddetta età dei cataclismi, l’avvento delle prime tecnologie di diffusione mediatica (la radio e il cinema in specie), determinarono una sorta di regressione psicodinamica del rapporto fra masse e potere ad una forma di oralità di riflusso, che favorì spontaneamente atti comunicativi fondati sulla forza pragmatica pura e semplice, e sulle metafore primordiali impacchettate nei miti, che possono agire, banalizzati, come slogans preconfezionati. A non altra logica rispondono i miti norreni e latini riesumati dal nazifascismo in chiave razzistica -ma lo stesso discorso potremmo applicarlo, nell’Italia di oggi, ai miti celtico-padani della Lega xenofoba, o perfino alla “rievangelizzazione” televisivamente ammannita all’italiota intellettualmente indifeso. Su scala globale, sono i dischi volanti di Jung e il tema della palingenesi adombrato nell’attesa pseudo-millenaristica del 2012 a ricoprire questo medesimo ruolo -cambiano i materiali mitologici particolari, che comunque, sradicati dal terreno del mito, fanno alle menti lo stesso effetto  che fanno ai corpi le bibite gassate e le merendine industriali. La situazione ovviamente non cambia molto, se i materiali mitologici degradati non provengono da Ilio, ma piuttosto da Palenque o dalla fantascienza degradata dei B-movies. E tuttavia bisogna ribadirlo: ad agire non è il mito in sé, ma la sua nientificazione e triturazione già operata dalla Gewalt ben prima dell’avvento dell’antropologo decostruttore, a cui il vero problema, nonostante il profondo acume e il nobile impegno, rischia di sfuggire. E il problema resterà insoluto fin quando il mito (e non i materiali mitologici transitori) non sarà riconsegnato alla creazione estetica disinteressata intesa come ricomposizione u-topica (à la Bloch) di un mondo scomposto e dis-estetico, alla poesia, alle vie dei canti che in origine, nel tempo del sogno, percorreva.

___________________________________________
1.    Cfr. Marcel Detienne, L’invention de la mythologie, 1981, ed. ital. L’invenzione della mitologia, a cura di Flavio Cuniberto, Torino 2000 (2), pp. 158 ss.
2.    Cfr. Karl Kerènyi, Dal mito genuino al mito tecnicizzato, in Scritti Italiani (1955-1972), Napoli, 1993, pp. 113-126.
3.    Nell’ampia produzione di Furio Jesi (sul quale si può trovare, riprodotto in NI, l’articolo di recensione di Cultura di destra, ad opera di Alessandro Bertante http://www.nazioneindiana.com/2011/06/10/altroche-fascio-littorio/), un classico case study a tal proposito è ad es. rappresentato da L’accusa del sangue. Mitologie dell’antisemitismo, postfazione di David Bidussa, Brescia 1992, riedito da Bollati Boringhieri nel 2007. Accurati materiali online di riferimento per la figura e la produzione di Jesi possono essere rinvenuti qui : http://yuma.netribe.it/banfi/allegati/2009_XIX_CONV_MANERA_ENRICO.pdf; e qui http://www.rigabooks.it/index.php?idlanguage=1&zone=8
4.    Cfr. Leo Frobenius, Paideuma, Monaco, 1921
5.    Robert Ellwood, The Politics of Myth: A Study of C. G. Jung, Mircea Eliade, and Joseph Campbell, Univ. of New York Press, Albany, 1999, p. 119
6.    Mito e       Religione in Grecia Antica, Roma, 2003, p. 4 ss.
7.    Il concetto di discorso di riuso è ben definito da Heinrich Lausberg, Dichtung und Retorik, in Der Deutschunterricht, Stuttgart, 1967, p. 47 ss. La citazione è fin troppo banale: viene qui richiamata solo per evitare l’accusa di arbitrarietà assertiva
8.    Rinunciare a ogni interpretazione troppo recisa dell’opposizione lotmaniana fra momenti sintagmatici e paradigmatici delle culture umane viene ora altrettanto spontaneo
9.    A questo punto si sconsiglia la visione dell’articolo ai seguaci impressionabili di Giovanni Semerano e Martin Bernal, o ai fan di Raoul Schrott
10.    Altro riferimento ovvio: Walter J. Ong, [Orality and Literacy, The Technologizing of the Word, London-New York, 1982], ed. ital. Oralità e scrittura – Le tecnologie della parola, Bologna, 1986 p. 102
11.    How to Kill a Dragon, Aspects of Indo-Europaean poetry, Oxford, 1995, p. 14.
12.    In Singing the Rug: Patterned Textiles and the Origin of Indo-Europaean Metrical Poetry, in American Journal of Archaeology, 2006, pp. 539-550. Per inciso, mi limito alle culture indoeuropee perché non abbastanza dotto in ambito semitistico: tuttavia la convergenza fra le dee tessitrici cantatrici elleniche e quelle delle civiltà della mezzaluna fertile, per concomitante influsso di queste sulla Grecia e per evoluzione interna indipendente delle due diverse aree di civiltà, dovrebbe essere abbastanza ominosa, in merito alla diffusione universale di questo topos in una pluralità di culture eterogenee per lingua e origini.
13.    cfr. Giorgio de Santillana-Hertha von Dechend, Il mulino di Amleto, ed ital. Milano, 2003.
14.    Filastrocche come Phol ende Uodan.
15.    Come nel caso dell’associazione fra la fertilità e la giovenca, il cui cranio è probabilmente simulacro dell’anatomia degli organi interni dell’apparato riproduttore femminile, scoperta dall’uomo ai tempi dei riti neolitici di scarnificazione dei defunti, secondo la tesi riproposta da Marija Gimbutas (Il linguaggio della dea, con pref. di John Campbell, nuova ed ital. Venezia, 2008, p. 265) sulla scorta degli studi di Dorothy Cameron (Simbols of Birth and Death in the Neolithic Era, 1981, p. 4 s.).
16.    Cfr. George Lakoff, The Contemporary Theory of Metaphor in Metaphor and Thought, a cura di A. Orthony, Cambridge, 1993, pp. 202-251; inoltre lo studio a cui si ispira il titolo di questo paragrafo dell’artcolo: Vito Evola, La metafora come carrefour cognitivo, in Vie della metafora: linguistica, filosofia, psicologia. Sulmona, 2008, a cura di Claudia Casadio, pp. 55-80.
17.    Sulla similitudine come strumento cognitivo non c’è che da ricordare Walther Kranz,  Gleichnis und Vergleich in der fruegriechishen Philosophie, in Hermes 73 (1938), 99-122, che anticipa in parte, per la valenza cognitiva della similitudine, le teorie di Lakoff e Koevecses.
18.    Ong, op. cit., p. 79 s.
19.    L’ennesimo ovvio riferimento va a Eric Havelock, [The Muse Learns to Write, London  1986], La musa impara a scrivere, ed. ital. Bari, 2006.
20.    Per capire fino a che punto ciò sia vero, basterà ricordare quello che Vernant scrive nella sua introduzione a L’uomo greco (ed. ital. Bari, 1991), pp. 4 s.: “Come potremmo noi oggi vedere la luna con gli occhi di un greco? L’ ho potuto sperimentare io stesso, al tempo della mia giovinezza, durante il mio primo viaggio in Grecia. Navigavo di notte, di isola in isola; disteso sul ponte, guardavo il cielo sopra di me, dove la luna brillava, luminoso volto notturno che spandeva un suo chiaro riflesso, immobile e danzante sull’oscurità del mare. Io ne ero incantato, affascinato da quel dolce e strano chiarore che bagnava i flutti addormentati; ero commosso come da una presenza femminile, vicina e lontana insieme, familiare eppure inaccessibile, il cui splendore fosse giunto a visitare l’oscurità della notte. E’ Selene mi dicevo, notturna misteriosa e lucente; è Selene che io vedo. Quando, molti anni dopo, vidi sullo schermo del mio televisore le immagini del primo astronauta lunare, che saltellava pesantemente, col suo scafandro di cosmonauta, nello spazio squallido di una desolata periferia, all’impressione di sacrilegio che provai si unì il sentimento doloroso di una lacerazione che non avrebbe potuto essere sanata: il mio nipotino, che come tutti ha contemplato quelle immagini, non sarà più capace di vedere la luna come a me è accaduto: con gli occhi di un greco. La parola Selene è divenuta ormai un riferimento puramente erudito: la luna quale appare oggi in cielo non risponde più a quel nome”. Il passo di Vernant spiega anche l’effetto della “morte” della possibilità della mitopoiesi, o meglio, il suo slittamento, se teniamo presente l’osservazione di De Santillana-Dechend sulla fantascienza come mito (cfr. Il mulino di Amleto, cit. p. 76).
21.    Su cui cfr. Fritz Graf, Il mito in Grecia, ed. ital. Bari, 1997, pp. 28 ss.
22.    La differenza fra i mussoliniani “colli fatali di Roma” e il Giove  comico dei “Quattro salti in padella” è “solo” nella finalità, non nel modo, non nel metodo. Peraltro, queste cose le facevano già gli antichi: nil sub sole novum.
23.    Ong, op. cit., p. 76

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Miti e incertezze del mito

Related posts:

1. Appunti sul “Tiresia” di Giuliano Mesa [In occasione della pubblicazione di  POESIE 1973-2008 di Giuliano Mesa...
2. Morfologia della fiaba degli dèi [Il filologo classico traccia una breve storia del sacro fra...

Effe Kappa. Nuove poesie
di Franz Krauspenhaar
Editrice ZONA,
Una nota di effeffe

“Sporco sono, Milena, infinitamente sporco,
perciò faccio tanto chiasso per la purezza.

Nessuno canta con maggiore purezza
di coloro che stanno nell’inferno più profondo:
ciò che chiamiamo il canto degli angeli è il loro canto”.
Franz Kafka

Quando ho cominciato a leggere il nuovo libro di poesie di Franz, dai primi componimenti fino alla fine, risuonava in me questo passaggio della corrispondenza di Kafka con Milena. Lo avevo  trascritto per la mia tesi di laurea in filosofia dall’altisonante titolo “La questione della colpa in Karl Jaspers”, tesi discussa più di vent’anni fa e che, ora, leggendo effekappa, mi sono andato a riprendere in fondo a un cassetto per ritrovare la citazione, precisa e calzante. Ci sono degli autori in Italia, non tanti in verità, la cui opera non è carriera, ovvero successione di tappe che aspirano a un traguardo, ma  chiasso, vacarme, bruit, rumore. Frequento le pagine di FK da qualche anno ormai e so due cose, almeno. La prima, è che “tanto rumore” non è mai per nulla,  come non è per nulla nessuna rivolta per quanto destinata al fallimento, alla sconfitta. Perché uno scrittore che abbia a cuore la letteratura non può che sposare cause perdute, sedurle, desiderare di scoparsele e amarle al punto di farsi detestare per tanto amore, privarsene con un moto d’odio, certo, ma sempre per quello stesso amore. La seconda è che l’opera di effekappa,  dai romanzi ai racconti, dalle poesie fino alle esternazioni  nei social network sono come una infinitamente aperta correspondance . Franz  scrive a suo padre, al fratello, alla donna amata, ma soprattutto al lettore, ogni volta, facendolo sentire interlocutore imprescindibile. Le sue sono corrispondenze dal carcere, dal baratro, dal buio, perché in letteratura non si può prescindere dall’inferno, nemmeno quando le pagine più premiate bruciano ai fuochi fatui delle classifiche e  della notorietà a botte di televisione o di illuminati critici, al neon, néant. Delle lettere poetiche che compongono il libro ho scelto quella al suo Alter Ego, Ego Alter, in omaggio all’amico che sento, di tanto in tanto, Franz e a quello che mi porto dentro dalla più crudele infanzia, Kafka.

Kafka
Franz, quanta disperazione in quell’insetto
che ronzava sulla mia testa, una specie
di mosca viola, la metamorfosi di un sogno
all’apertura di un libro, giovinetto come
l’angoscia di chi non sa, di chi dietro
le curve dell’incanto spegne fuochi
polverizzati, senza un significato.

Franz, da un castello silenzioso,
guardava se stesso girare, là sotto,
cercare l’entrata al labirinto, taglio
netto nella gola; il suono d’urlo
non si emette, il silenzio è fuoco
di maglie strette, di prigione,
l’uomo è vinto al suo secolo
perenne, lento, giunto fin qui.
Franz, in quell’America di fossili
pulsanti e circhi folli e navi nere
e trionfanti come le piattaforme
di un vampiro. Nosferatu nel bianco
del sogno, ottuso, compagno
d’aliti nel viaggio continentale.
Franz al processo, milioni di anime
e danni e colpe scorse come pieghe
dagli anni, la colpa d’un’esistenza
fallita, grigia; sinfonica accettazione
del nulla, della perdita di un senso.

Tornando al cambiamento surreale,
di ritorno da un viaggio sopra pagine
che prima di morire lui voleva nere,
illeggibili nella sparizione; e appare
il mondo – un cupo, lungo risveglio,
un tenebroso abbandono alla calma
irreale. Franz ci abbandona al niente,
a questo dolente interrogarci.
Le iniziali mi fecero spavento, le mie stesse,
F e K e la Boemia terra d’origine
e il padre della lettera, così a trovare
ossa, piantate nelle terre uguali.
Non saprei chi sono se non ci fosse
Franz, a dimostrarmi che fui altro,
prima di poterlo sapere. Franz è il dono
d’un rampicante invincibile,
d’un verbo immenso che tiene ogni frase,
concetto, salto, discesa e origine.
Nei miei quindici anni leggevo i racconti
come resoconti di un fantasma. Cercavo
nelle note il diagramma, la spiegazione
di ciò che era inspiegabile. Leggevo
parole incomprensibili di filosofi attenti,
maniacali, votati per la vita all’esegesi.

Max Brod lo vedevo pesante, un macigno
sopra di lui e dentro di sé, grasso compresso
dal voto d’infedeltà. Non volle buttare
al vento le nervature del genio, volle invece
trasportare quell’opera già nata postuma
per i lunghi raccordi di pietra della storia.
Di fronte a quelle pagine erette e pulite,
distoniche, assurde, l’esistenza si spiega,
come nessun filosofo può ardire.
Nessuna sentenza certa, ma la fantasia
di ciò che ci è vicino, dentro, tra occhi
e lingua e tatto, di cui tutto ha l’impregno.
Franz tracciò le note oceaniche del moderno
sentire e del procedere senza ore,
bussole, né porti di qualunque attracco salvo.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Azione Kappa

Related posts:

1. un libro vi trasporterà: Vittorio Giacopini Nuova puntata di “un libro vi trasporterà” per tornogiovedì....
2. Leggerezze ( a reti leggere ) Due carissimi e talentuosi amici, Fernando Coratelli e Luigi Carrozzo...
3. In lungo e al largo L’assaggio di Franz Krauspenhaar Mi sono ritrovato col mare...
4. Un piccolo fratello Addio Pietro, tu tragico eroe strampalato. Oggi è stato...
5. Corpo @ Corpo – incazzarsi on line dedicato all’animoso Franz Galleria dell’Ira. Léon Benouville [La colère d'Achille]...

Curated by Sara Falanga
www.salisburyartcentre.co.uk

F.Lazzarini, Aleph series, 2011, photograph on glass

M.F. Tassi, The Creation, spolvero, paper

M.F.Tassi, Pondering possibilities, 2011, china ink on paper

*******

In the deconsecrated 13th century St. Edmund’s Church, where Salisbury Arts Centre is housed, this exhibition traces what links the place’s past to the present, narrating the shift from church to arts centre. It emphasizes the coexistence of old and new elements, in a context that across time has remained a meeting place for the Salisbury community. Visitors will confront the mechanisms of vision and memory in an immersive site-specific installation, and will be led to reflect on Deconsecration as act of transposition from place dedicated to worship to one dedicated to the arts.

Francesca Lazzarini (1978, Italy) presents an interactive installation consisting of a giant Camera Obscura, where people can discover the enchantment of the light outside projecting an upside down image of the external environment. The work is an invitation to reflect on our own vision of the ancient church as contemporary art centre. It confronts us with the mechanism of our seeing, perceiving and remembering, becoming itself a metaphor of the memory’s locus: the mind. Lazzarini also presents pinhole photographic works, a technique producing an optical effect very close to human sight. She offers her own vision of the venue, emphasized by the unusual use of glass as photographic printing surface, a nod to the stained glass windows of the church.

Maria Francesca Tassi (1977, Italy) creates drawings using the spolvero technique over the modern white walls within the church, suggestive of typical decorative practices used to realize frescoes since the medieval period, but adopting modern themes peculiar to the building’s new employment. Some paper sculptures complete the installation in a unique and continuous dialogue with the singular hosting environment. These works tell what the building preserves of its ancient function mixed up with elements belonging to the modern art centre, they tie the old to the new through fragile and temporary materials, which trace softly what the building shows: the memory of its space.
The exhibition will be completed by an online archive of collected images and anecdotes from the venue’s history, contributed by local residents, who are invited to bring personal photographs and found images of the church across the decades to a Memory Amnesty on Saturday 14th January.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Deconsecration: The Space of Memory/The Memory of Spaces

Related posts:

1. da >verso. transizioni arte-poesia ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI BRERA 6 ottobre 2011, ore...
2. VILLA(VIVE!) Tentativo serenamente fallimentare di descrivere la mostra di Reggio...
3. Vita di Evasio Stoppani (Pubblico questo frammento di una più ampia e delirante scrittura...
4. Un viaggio con Francis Bacon # 5 (13 pictures of an exhibition)   di Franz Krauspenhaar 1. Mi sveglio alle tre dopo...
5. Pop Art di Davide Vargas La cosa mi appare all’improvviso. Ho lasciato...

Moondust

Secondo il parere comune (o quello maggiormente condiviso dai critici), Moondust è il titolo oggi riconosciuto come primo art game della storia e venne creato da Jaron Lanier, programmatore americano nonché compositore, artista e autore. In quest’opera il protagonista è un piccolo astronauta fluttuante nello spazio buio dello schermo.
Il giocatore, muovendo e spostando l’astronauta nello spazio, genera dei suoni coi quali è in grado di creare una piccola sinfonia. Si tratta per questo della prima esperienza sinestetica presente in un videogioco e, molto probabilmente, anche del primo videogame musicale. L’obbiettivo del gioco è guidare l’astronauta in giro per lo schermo, creando strani disegni e conquistando delle navette spaziali per passare attraverso le scie che l’astronauta stesso crea durante il suo passaggio. Questo titolo è stato spesso esposto sotto forma di installazione d’arte nei musei ed è stato comparato ai lavori di Jeff Minter, anch’egli autore di videogiochi stravaganti divenuti famosi per il loro particolare stile allucinato (come ad esempio Psychedelia, un sintetizzatore luminoso del 1984).

I, Robot

Sempre nel 1983 troviamo I, Robot, uno dei primi videogiochi dotati di grafica 3D nonché il primo art game realizzato da un “non-artista”, il programmatore Dave Theurer (noto per aver creato anche Missile Command e Tempest, entrambi del 1980).
I, Robot è suddiviso in due parti di gioco, l’avventura (il videogame vero e proprio) e Doodle City, la sezione più particolare di I, Robot, che ci consente di riconoscerlo come il secondo videogioco d’arte della storia e, oltretutto, come il secondo non-game di sempre (il primo fu infatti Alien Garden del 1982, anche questo di Jaron Lanier, precedente di un anno a Moondust). Stando alle intenzioni di Theurer, Doodle City venne creato come fonte di svago per rilassare il giocatore al di fuori del solito “spara all’alieno” dei videogame dell’epoca. Si tratta della parte più libera e creativa di I, Robot dove il giocatore può disporre (per soli tre minuti, finché dura il credito) degli elementi grafici poligonali presenti nel videogioco e usarli per “dipingere” sullo schermo nero del coin-op. Le forme infatti possono essere manipolate e trascinate, lasciando una scia con cui disegnare delle composizioni astratte analoghe, sotto certi aspetti, a dei veri e propri quadri.

Pokémon

La Game Freak (fondata nel 1989 da Satoshi Tajiri e Ken Sugimori) produsse il proprio titolo di punta, Pokémon, nel 1996. Si tratta di un esempio particolare tra gli art game creati da non artisti, entrato con discrezione ma inesorabilmente a far parte della cultura popolare di massa.
In Giappone l’hobby di collezionare insetti era uno svago molto diffuso tra i bambini e fu un passatempo condiviso anche dal main programmer Satoshi Tajiri. Sostenuto dai ricordi d’infanzia, negli anni ‘90 Tajiri elaborò l’idea di Capsule Monsters (rinominato Pocket Monsters e poi Pokémon), videogame nato per rendere possibile la cattura, la collezione e lo scambio di tante diverse creaturine digitali, i pokémon: surrogati virtuali degli animali domestici appartenenti ad un mondo fantastico senza violenza, che non sanguinano e non muoiono ma possono solamente svenire se vengono sconfitti durante le lotte.
Contrariamente a quanto in genere si pensa, Pokémon non ebbe un successo immediato al momento del suo lancio sul mercato giapponese, nel febbraio del ’96. Ma la cosa strana fu che continuava a vendere anche dopo le prime settimane, quando di solito tutti i titoli hanno ormai realizzato il grosso dei profitti. Sebbene Nintendo non stesse spingendo il gioco, fu il passaparola a farlo salire in classifica aumentando esponenzialmente il numero di copie acquistate. Alla fine del 1997 Pocket Monsters aveva già venduto quattro milioni di copie.
Ma cosa c’era di così affascinante in Pocket Monsters? Stando a quanto dice l’amministratore e direttore generale del Nintendo Entertainment Analisys and Development – nonché creatore di Super Mario – Shigeru Miyamoto, “Tajiri non aveva avviato il progetto con l’intenzione di realizzare qualcosa di popolare, ma soltanto il gioco che lui stesso avrebbe voluto giocare. Non c’erano ragioni commerciali ma solamente l’amore per la sua creazione. Voleva, in qualche modo, realizzare qualcosa per se stesso che fosse apprezzato sia dai suoi connazionali che dalla gente di altri paesi”. Satoshi Tajiri ha investito nel gioco una fortissima componente autobiografica, ambientandolo nel suo mondo di fantasia e condividendo con un vasto pubblico di giocatori l’immaginario della propria infanzia di piccolo collezionista di coleotteri. Tant’è vero che nelle prime versioni giapponesi del gioco il protagonista si chiamava proprio Satoshi (mentre il suo rivale invece Shigeru, come ironico omaggio a Shigeru Miyamoto). Ma non solo: le ambientazioni di Pokémon, le mappe del gioco, esistono veramente e si tratta, infatti, di alcune zone del Giappone (a cui nel gioco sono stati cambiati i nomi) che Satoshi ha trasferito dalla realtà all’interno del mondo immaginario di Pokémon. Tali regioni fittizie sono sovrapponibili alle loro omologhe reali e questo ci permette quindi di rintracciare le corrispondenze geografiche che intercorrono tra loro. La trama del primo Pokémon, ad esempio, si svolge in viaggio tra le città della regione di Kanto.
Una realtà, quella di Pokémon, che riflette a pieno la sfera ideale di Satoshi Tajiri ed il giocatore, impersonando Satoshi stesso da bambino, è in grado di entrare in questo suo piccolo ma meraviglioso mondo (forse chiuso in sé stesso, ma tenero e accogliente come la sindrome di Asperger di cui Tajiri è affetto) immergendosi nella sua mente, facendovi parte per condividerne fantasia e memoria. E questo il giocatore riesce in qualche modo a percepirlo, anche se in maniera sottile e indiretta, non pienamente cosciente: riesce a intuire il tepore e l’intimità del piccolo universo interiore di Satoshi e, come di un sogno, non può che compiacersene.
A livello tecnico, Pokémon non è che un gioco di ruolo bidimensionale con poche tonalità di colore e animazioni limitate, un videogame nato senza aspirare al realismo cinematografico dei moderni titoli per consolle. Anche se crea una realtà completamente fittizia, lascia al giocatore la possibilità di immaginare da solo gran parte del mondo dei pokémon, dimostrandoci che l’esperienza di gioco trascende del tutto le apparenti limitazioni delle consolle e sbaraglia i tentativi di comprendere i videogiochi come semplici spettacoli audiovisivi.
In ciascuna versione di Pokémon il protagonista è un bambino (o, a scelta, una ragazzina, a partire dalla terza edizione del titolo) desideroso di diventare un allenatore di pokémon, che si assume il compito di aiutare un suo amico professore a completare la lista di tutti i mostriciattoli presenti nella regione del gioco. Per aiutarlo a svolgere il proprio compito, il buon professore permette al giocatore di scegliere la sua prima creatura fra tre “pokémon starters”, che gli viene lasciata in dono e che diverrà il suo più affezionato compagno d’avventura fin dall’inizio della storia.
Non esiste un’unica finalità di gioco. Si potrebbe dire che, seguendo la linea narrativa, lo scopo principale sarebbe catturare nuovi pokémon da collezionare per creare una propria squadra di lotta, percorrere tutta la serie di città per battere i “capipalestra” di ogni zona e sconfiggere infine il proprio antagonista per ottenere il titolo di miglior allenatore di pokémon. Ma una volta terminata l’intera avventura il gioco prosegue, dando così al giocatore la possibilità di “andare a zonzo” tra le aree della mappa per continuare ad allenare la propria squadra e renderla sempre più forte, oppure catturare altri mostriciattoli per creare un nuovo team di lotta.
Il successo di questo titolo è dovuto, fra i suoi molteplici aspetti, anche al fatto di avere una straordinaria durata di gioco – virtualmente infinita – per la quale si può continuare a giocare a Pokémon anche parecchio tempo dopo averne conclusa la storia, terminando solo quando viene a spegnersi l’interesse del giocatore. Oltretutto, a rendere ancora più longevo ed interessante il gioco contribuisce pure la peculiare “fragilità” del software. Fattore, questo, che consente al giocatore di farne una sorta di hackeraggio, un uso libero e creativo del videogame stesso tramite l’utilizzo di “cheat” (imbrogli e trucchi) e lo sfruttamento di “glitch” (bug, errori nel funzionamento o nella programmazione del gioco) accessibili con o senza l’aiuto di periferiche esterne. Alcuni glitch più semplici consentono al giocatore di duplicare i pokémon o gli oggetti posseduti nel proprio inventario, catturare creature normalmente inottenibili, accedere ad alcune aree esterne alla mappa di gioco ecc. Altri invece, più complicati, vanno ad intervenire direttamente nella struttura del videogame, modificando alla radice il funzionamento di alcune parti del programma stesso. Tra i glitch complessi i più noti sono MissingNo (cioè “missing number”), ‘M, Charizard ‘M, Bad Egg e Glitch City. Quest’ultimo è un bug particolare che visualizza in maniera erronea tutto lo sfondo della mappa di gioco – o solo una determinata zona – raffigurando un mondo disgregato, completamente astratto e costruito in maniera random dal gioco utilizzando gli elementi grafici a disposizione.

Ico

Creato nel 2001 dal Team Ico (diretto da Fumito Ueda), Ico è un videogame la cui bellezza risiede nell’intera atmosfera di gioco, data dalla delicatezza dei protagonisti e dagli scenari meravigliosi che il giocatore è chiamato a esplorare. Si tratta di un’avventura dinamica in 3D dall’ambientazione fantasy che racconta l’avventura del piccolo protagonista, Ico, un bambino esiliato dal suo villaggio perché munito di un paio di corna e perciò considerato portatore di sventura. Condotto in un castello abbandonato nella foresta, rinchiuso in un sarcofago e destinato a morirvi di stenti come sacrificio a misteriose forze oscure, il piccolo Ico riesce a liberarsi fortuitamente e ad incontrare la giovane e indifesa Yorda, una fanciulla luminosa intrappolata in una grande gabbia incatenata al soffitto.
Una delle peculiarità di Ico sta nella sua sobrietà stilistica. È insolitamente privo di tutti quegli elementi convenzionali presenti negli altri videogame, quali l’inventario, gli indicatori di punteggio ed energia, i menu a scomparsa e ogni altra interfaccia di gioco. Fumito Ueda evitò di inserire nello schermo qualsiasi cosa che potesse ostacolare il suo design, semplicemente perché non apprezza i videogiochi complicati. Ha creato Ico pensando al videogame che più gli sarebbe piaciuto giocare, quello ideale.
Altra caratteristica del gioco sta nei vasti ambienti disabitati, suggestivi e tutti da esplorare, impregnati di un’atmosfera surreale ed eterea. Ma la vera stranezza della storia di Ico, e forse anche uno dei suoi punti di forza, è che in realtà racconta molto poco. Raramente i personaggi parlano tra loro: ci sono solo pochi e preziosissimi dialoghi in cui Yorda si esprime in una lingua sconosciuta e intraducibile. Si raccolgono molti indizi ma quel che accade di preciso è lasciato all’immaginazione del giocatore, che è quindi indotto a legarsi ai protagonisti in altri modi. L’ambientazione realistica e i personaggi vividi portano infatti l’utente a un livello di emotività difficilmente raggiungibile da un videogioco.
Eliminando tutti gli stereotipi, Ueda voleva dimostrare che non si tratta di un “semplice videogame” (concetto generalmente troppo limitato) ma di intrattenimento controllato tramite un joypad. Uno dei primi passi verso nuovi videogiochi dove anziché tentare di replicare lo stile dei cartoni o dei film con lunghe sequenze animate non interattive e moltissimi dialoghi, si cominci invece a raccontare davvero una storia. E, così facendo, si possa raggiungere un livello analogo di coinvolgimento sentimentale puntando l’accento su quegli elementi che possono essere comunicati soltanto dai videogame.

Iconoclast Game

Di Lorenzo Pizzanelli va ricordato Iconoclast Game, videogioco sulla storia dell’arte creato nel 2003. Si tratta di un’avventura artistica elaborata in forma di videogame nel tentativo di introdurre un ragionamento critico sulla stessa storia dell’arte. Nato per proporsi come la prima opera-videogioco in assoluto (anche se non lo è affatto), utilizza il linguaggio videoludico per condividere una riflessione colta sulle radici e il destino dell’arte occidentale – dal tempo dei bizantini ai giorni nostri – in maniera partecipata, accessibile a tutti e divertente.
Tempo prima di togliersi la vita nella notte tra il 27 e il 28 settembre 2010, Pizzanelli aveva denominato tale pratica “Play Art” e Iconoclast Game ne è un esempio raffinato e intelligente. L’eroe di questo titolo è Marcel Duchamp (che nel gioco ha il volto dello stesso Pizzanelli), agente speciale del pensiero anticonformista in missione nel museo/tempio dell’arte occidentale per riconsegnare la libertà ai capolavori tenuti prigionieri, distruggendoli allo scopo di redimere le idee originare che vi sono intrappolate e innalzarle in volo verso l’Iperuranio celeste. La critica del videogioco è chiaramente rivolta alla musealizzazione che ha reso “aggressivi” i capolavori, imprigionati come belve in cattività. Per poterli restituire all’originaria pienezza di significato, il giocatore deve muoversi all’interno di smaglianti livelli (costruiti da collages con particolari di diverse opere d’arte) per raggiungere e sfidare il David di Michelangelo, la Medusa di Caravaggio, la Gioconda di Leonardo, quella “ritoccata” dallo stesso Duchamp e tanti altri loro magnifici compagni in una serie di duelli. L’ultima allegoria nonché ironica analisi dell’arte, della sua storia e dei meccanismi della fruizione, donataci da parte di Pizzanelli.

Super Columbine Massacre RPG!

Super Columbine Massacre RPG! è un art game controverso che deve la sua fama proprio alle moltissime critiche che lo hanno colpito nell’arco degli ultimi anni. Venne creato da Danny Ledonne nel 2005, ispirandosi al dramma della strage di liceali americani nella Columbine High School del 1999 (argomento trattato pure dal film Elephant di Gus Van Sant, 2003) e, proprio per questo, fu al centro di durissime polemiche.
Realizzato in sei mesi di lavoro con RPG Maker 2000 e rilasciato gratuitamente online, si tratta di un piccolo gioco di ruolo amatoriale in 2D – graficamente povero e dall’audio scarno – che ripropone l’episodio di cronaca nera dal punto di vista dei giovani criminali.
Prendendo spunto dal dolore causato da un fatto reale e inserendolo nella finzione del mezzo videoludico, Super Columbine Massacre RPG! permette di esplorare le ore finali nelle vite degli studenti assassini Eric Harris e Dylan Klebold, dei quali il giocatore assume i ruoli per “giocare al massacro”, vivendo dei flashback relativi a parti delle loro esperienze. Il videogioco ricostruisce l’intera vicenda di Eric e Dylan cominciando proprio dal mattino della sparatoria e seguendone le azioni fino alla tragica fine. Ed esattamente per questa fedeltà alla cronaca ha fatto nascere un acceso dibattito riguardo ai videogame e alla loro influenza sociale.
Le reazioni a Super Columbine Massacre RPG! furono contrastanti. Da un lato venne rimproverato di banalizzare la strage di vite innocenti e di incitare alla violenza, mentre dall’altro fu contemporaneamente lodato come un’opera degna di plauso. La grafica cartoonesca venne considerata dai critici come oscurante il messaggio drammatico del gioco. Tuttavia ricevette anche acclamazioni come videogame che trascendeva le associazioni stereotipiche del medium come intrattenimento per bambini. I temi e il contenuto dell’opera di Ledonne emersero prepotentemente all’attenzione dell’opinione pubblica, essendo inclusi in discussioni sulla possibilità che i videogames causino violenza. Poco più tardi il titolo fu additato perfino come uno dei possibili fattori motivanti la sparatoria del 2006 al Dawson College. Venne oltretutto rifiutato dall’edizione 2007 del concorso Slamdance Guerrilla Games Competition per videogiochi indipendenti e, come segno di protesta contro la sua esclusione, diversi sviluppatori di indie-game decisero di appoggiare Ledonne ritirando i loro titoli, come Braid di Jonathan Blow, Castle Crashers di The Behemoth e flOw dei Thatgamecompany.
Ledonne concepì Super Columbine Massacre RPG! partendo dalla sua stessa esperienza come vittima di bullismo e dall’effetto negativo che l’annuncio della strage ebbe nella propria vita. Molto semplicemente, il gioco rappresenta una critica su come i media abbiano fatto sensazionalismo sulla tragedia, colpevolizzando il ruolo dei videogame e presentandola come una parodia dei videogiochi stessi. L’obbiettivo dichiarato di Ledonne era unicamente quello d’invitare il pubblico a rivivere l’intera triste vicenda a partire dalla prospettiva dei due protagonisti, non tanto per discriminarli o prendersi gioco delle loro vittime ma per provare a capire qualcosa di più sul loro disagio esistenziale, sulle motivazioni che li hanno spinti.
Ad oggi Ledonne è ufficialmente riconosciuto tra i massimi esponenti dei videogame in quanto forma emergente di arte e nel 2008 ha prodotto Playing Columbine, un documentario riguardante l’impatto mediatico causato proprio dal suo gioco.

Okami

Nel 2006 Clover Studio produsse Okami. Diretto da Hideki Kamiya, questo titolo nato per PlayStation 2 e poi convertito per Nintendo Wii è un gioco d’azione e puzzle di notevole grafica cel-shaded, ispirata allo stile delle antiche xilografie del Medioevo giapponese (che gli dà pure un’ambientazione cronologica e geografica) e si sviluppa attorno all’utilizzo del “Pennello Celestiale”, una particolare tecnica divina che permette di disegnare per compiere miracoli e progredire nel gioco, consentendo al giocatore di partecipare al grande disegno complessivo che l’intero videogame rappresenta, invece che limitarsi a guardarlo.
Una caratteristica particolare del gioco è proprio l’uso di tale funzione, con la quale il giocatore può “dipingere” sullo schermo usando lo stick analogico sinistro del joypad o, meglio ancora, il telecomando Wii (a seconda della consolle utilizzata). In base alle forme che disegnerà si creeranno nel gioco effetti diversi (ad esempio è possibile generare un forte vento disegnando una spirale, tagliare i nemici a metà disegnando una linea su di loro, creare ponti, ecc.) grazie alle tecniche imparate man mano nel corso del gioco, dopo aver liberato le dodici divinità del Pennello Celestiale dalla loro prigionia.
Quest’opera racconta la vicenda di una terra antica che si salvò dall’oscurità grazie all’intervento ultraterreno della dea del sole, Amaterasu, scesa nel mondo degli umani sotto forma di lupa bianca. In Okami il giocatore controlla proprio tale insolita protagonista dai poteri sovrannaturali e, nei combattimenti, può sconfiggere i nemici adoperando una combinazione di armi usate insieme alle varie tecniche di combattimento e l’ausilio stesso del Pennello Celestiale.

flOw

Thatgamecompany è un team di giovani sviluppatori americani di videogiochi fondato nel 2006 da Kellee Santiago, Jenova Chen e Nicholas Clark, emersi da un gruppo di sette studenti dell’Interactive Media Division della University of Southern California che nel 2005 aveva realizzato il videogame Cloud (dove il giocatore interpreta una nuvola in cielo guidata da una bambina volante).
Dopo aver visto il loro primo titolo, la Sony chiese a quelli che sarebbero stati i membri della Thatgamecompany di formare tra loro un gruppo per produrre tre giochi scaricabili per PlayStaion 3. Purtroppo Cloud era un videogame impossibile da realizzare per una compagnia così piccola, così decisero di creare flOw, nato a partire dal progetto di tesi di Jenova Chen, nel quale il giocatore conduce l’esistenza di un microrganismo acquatico in un fondale marino, mangiando creature più piccole per crescere e combattere organismi più grandi e per non finire a sua volta mangiato. Le differenti creature che il protagonista assimila nel corso del gioco danno luogo all’apprendimento di nuove capacità, portandolo di volta in volta ad evolvere anche nell’aspetto fisico.
In Flower – sviluppato come “successore spirituale” di flOw e rilasciato nel 2009 – il giocatore controlla invece i movimenti di un petalo sospinto dal vento che deve volare verso i fiori presenti nei prati dei livelli di gioco per aggregare vari altri petali a quello principale. Ritenuto un’esperienza emotivamente coinvolgente (nonché un successo di critica), l’arco narrativo di questo titolo prende forma attraverso la rappresentazione visiva di spunti sentimentali: Flower è stato infatti destinato a suscitare emozioni positive nel giocatore, piuttosto che essere solo una sfida o un videogioco divertente.
Sul loro sito, i Thatgamecompany hanno dichiarato che nei loro giochi intendono “comunicare diverse esperienze emotive che l’attuale mercato dei videogame non offre”. Ritengono infatti che la gamma di sentimenti che la maggior parte dei videogiochi suscitano nel pubblico sia stata finora molto limitata e, proprio per questo, hanno scelto d’impegnarsi nella ricerca per la creazione di “opere d’arte videoludiche”, rimuovendo dal loro operato gli elementi di gioco e le meccaniche che non provocano la risposta desiderata nei giocatori.
Attualmente il gruppo continua a collaborare con la Sony per la produzione di videogames scaricabili dal servizio PlayStation Network, per il quale il primo gioco sviluppato da loro è stato una versione migliorata di flOw (che in origine era in Flash) pubblicata nel 2007. Ad oggi stanno lavorando sul loro terzo titolo, Journey, un online-game per PlayStation 3 che verrà rilasciato nel corso del 2011.

Braid

Creato da Jonathan Blow (gruppo Number None) e rilasciato in versione definitiva nel 2006 dopo tre anni di sviluppo, Braid è uno splendido platform 2D con elementi rompicapo che consente al giocatore di manipolare le leggi fisiche dello spazio/tempo per sconfiggere i nemici, evitare la morte e concludere i puzzle di ogni livello. Si tratta di uno dei migliori esempi di videogame d’arte che ha ispirato vari altri titoli del versante indipendente, tra cui Limbo dei Playdead Studios e Time Fcuk di Edmund McMillen (autore, inoltre, anche di Aether).
A differenza della prima versione del 2005, che presentava gli sprite dei vari personaggi realizzati dalla mano dell’illustratore e game designer Edmund McMillen, quella definitiva – ridisegnata completamente da David Hellman, che ne aveva già curato gli sfondi – risulta essere meno fumettistica e dallo stile pittorico ed ispirato.
All’interno di Braid il giocatore si trova nei panni di Tim, un “uomo qualunque” in giacca e cravatta che cerca di salvare una principessa, sua ex fidanzata, rapita da un cavaliere malvagio. Come menzionato poco sopra, si tratta di un platform piuttosto classico all’apparenza, ispirato sotto più di un aspetto alle avventure di Super Mario. In quest’opera sono infatti presenti alcuni omaggi ai titoli Nintendo: uno dei livelli richiama Donkey Kong (per l’esattezza è il secondo livello del quarto mondo, intitolato non a caso “Jumpman”) mentre alla fine di ogni mondo vi è un castello con una bandierina, una volta ammainata la quale veniamo raggiunti da un tirannosauro di pezza che gentilmente ci riferisce: “Mi spiace, ma la principessa è in un altro castello” – aspetto ripreso dal celeberrimo Super Mario Bros.
Braid racchiude al suo interno gli elementi più tipici dei videogiochi a piattaforme, ma la vera particolarità di questo titolo è la possibilità di “riavvolgere” il tempo, similmente a Prince of Persia: Le sabbie del tempo (Jordan Mechner per Ubisoft, 2003). Il riavvolgimento temporale rappresenta le fondamenta del videogame, rivelandosi infatti una caratteristica necessaria per risolvere la maggior parte degli enigmi, e si può attuare ogni qualvolta lo si desideri. In questo modo il giocatore ha la possibilità di tornare sui propri passi, imparare dagli errori e correggerli. La trama ed il gameplay particolare di Braid ruotano attorno a questo assurdo immaginifico, il paradosso del “what-if”.
In quest’opera non esiste quindi il concetto di morte perché lo scorrere del tempo è relativo e soggetto alla nostra volontà. Non essendoci la possibilità di morire, non esistono game over e neppure limiti temporali (Braid è anch’esso privo di barre di stato, ripristini d’energia, vite extra, power-up e così via). Ad ogni morte accidentale di Tim, il giocatore può infatti premere un tasto e riavvolgere la timeline al fine di rimediare all’errore, evitandolo o correggendolo. Ma questo è solo l’inizio, la punta dell’iceberg dell’intero meccanismo. In verità il gioco ci costringe a ragionare in maniera più ampia e non lineare, cercando di capire come questo potere possa rendersi utile nelle situazioni di ogni livello per essere sfruttate a proprio vantaggio. Il giocatore è infatti sollecitato a usare il cervello piuttosto creativamente, a differenza di quanto viene normalmente richiesto nei soliti platform game. Ogni mondo, oltre a presentare una propria affascinante ambientazione, richiede utilizzi differenziati delle abilità temporali di Tim.
Braid ci aiuta a scardinare quell’invisibile porta che divide il mondo materiale – fatto di scelte che portano a delle conseguenze – da quello introspettivo ed inconscio, onirico, dove il tempo perde completamente di significato. Fin dai primi istanti di gioco scopriamo il fine ultimo che ha animato Jonathan Blow nella creazione di Braid, ossia quello di creare una sorta di “metafora videoludica” della vita e dell’inconsistenza del tempo all’interno della nostra mente – memoria e fantasia – allegorizzata dalla casa di Tim che si presta magnificamente a questa particolare interpretazione dell’esistenza, del desiderio e della frustrazione umana, che inconsciamente si sbarazza del tempo per darsi modo di rimediare ad errori fatti in un passato altrimenti immodificabile.
La casa è lo scenario di gioco ed è divisa in sei stanze: dietro ogni porta, un mondo immaginario con i suoi livelli. Mondi dove Tim trova ristoro, dove tutto è possibile ed in cui comincia a cercare la sua amata principessa. Come in un sogno idilliaco che, man mano che si avanza nel gioco, diventa presto un incubo terribile. Oltretutto questo gioco ha anche una profondità di trama tale da contenere almeno tre livelli di lettura, ripiegati uno dentro l’altro, in modo da permettere varie interpretazioni del suo significato intrinseco.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Art Game : alcuni esempi

No related posts.

    CLAUDIO MONTEVERDI   [ 1567 - 1643 ]   E’ questa vita un lampo
[mottetto a 5 voci] da Selva morale e spirituale [VENEZIA 1631 in tempo di peste]

È questa vita un lampo
ch’all’apparir dispare
in questo mortal campo
che se miro il passato è già morto,
il futuro ancor non nato
il presente sparito
non ben anco apparito.
Ahi, ahi, ahi lampo fuggitivo,
e si m’alletta
e dopo il lampo,
pur vien la saetta.

[ appunti inattuali ]
di Orsola Puecher

 
e come scordarsi quella fiaba della figliuola – una Cenerella maltrattata in casa – che
 

per la dolcezza dei modi e per la bontà del cuore, era tutta il ritratto del suo babbo [...]

 
a cui dalla boccuccia a ogni parola uscivano petali di rosa e perle e pietre preziose – per premio – perché aveva aiutato a bere da una fonte una fata – sempre ricordarsi che fate in incognito passano per caso – ovunque – travestita da povera vecchiarella curva
 

Quand’ebbe bevuto, disse la nonnina: “Tu sei tanto bella, quanto buona e quanto per benino, fligliuola mia, che non posso fare a meno di lasciarti un dono [...] Ti do per dono che ad ogni parola che pronunzierai ti esca di bocca un fiore o una pietra preziosa.”
La ragazza arrivò a casa con la brocca piena, qualche minuto più tardi; la mamma le fece un baccano del diavolo per quel piccolo ritardo.
«Mamma, abbi pazienza, ti domando scusa…» disse la figliuola tutta umile, e intanto che parlava le uscirono di bocca due rose, due perle e due brillanti grossi.
«Ma che roba è questa!» esclamò la madre stupefatta. «Sbaglio o tu sputi perle e brillanti! O come mai, figlia mia?» Era la prima volta in tutta la sua vita che la chiamava così, e in tono affettuoso.

 
e come – parimenti – scordarsi della di lei sorella maggiore – invece – che
 

somigliava tutta alla mamma di lineamenti e di carattere. [...] Tutte e due erano tanto antipatiche e così gonfie di superbia, che nessuno le voleva avvicinare.

 
e che questa sorella maggiore – a quella stessa fata – benché travestita stavolta – per facilitare un poco la schifiltosa superba – magnificamente e da gran signora – sempre alla medesima fonte mandata a forza dalla madre che sperava per lei lo stesso dono di sputar perle e petali fatto alla minore bistrattata – l’acqua – invece – aveva negato in malo modo e così per dono le sboccarono fuori dalla bocca vipere e rospi a ogni parola – a fiotti e viluppi
 

“Avete poca educazione, ragazza…”, rispose la Fata senza adirarsi punto, “e giacché siete così sgarbata, vi do per dono che ad ogni parola pronunziata da voi esca di bocca un rospo o una serpe.”

⇨ Charles Perrault LE FATE
traduzione di Carlo Collodi
da “I racconti delle fate“

 
Paolo Porpora [ 1617 – 1673 ]
Natura morta con un serpente, rane, una tartaruga e una lucertola

 
e la frale carta velina dei petali – il freddo vetroso e molato dei minerali lucente fra le labbra – la sferica delicatezza delle perle – il viscido vibrante di bolle globulose sulla lingua – di squame di pelle rettile – a premere – per l’urgenza di uscirsene – sono le parole – il dono duplice delle parole – e tocca sputarle tutte e due – ché siamo – noi tutti – la caritatevole e la schizzinosa insieme – perle e rospi – e l’armonia è anche nel dissoanante sputar rospi e non è solo nel privilegio di ritmi ben dosati – o nel seminare pezzettini di cuore trafitto negli spazi vuoti e negli a capo – o nel vuotare l’anima dolorante rinchiusa in ampolle di vetro opaco con tappi di ceralacca rosso sangue dei mille dolori e nel traslare su carta l’essenza lamentevole di rinnegati dal mondo – ché la catarsi – la cura – non sempre è scegliere parole distanti – significati astrusi – insensatezze fra allitterazioni – metafore e similitudini per non mai dire le cose come stanno e come sono

,\\’

ed è arte antica comporre parole perché vengano recitate o cantate e ricordate a memoria – memoria che in questi tempi di digiuno e quaresima è solo la sorellina orfana e scalza del passato
 

MEMORIA. Noi italiani diciamo “conoscere a memoria” oppure “conoscere a mente”. I francesi dicono “Connaître par coeur“, gl’inglesi: “To have by heart“. Che dedurre? che l’italiano è più “mentale” del francese e dell’inglese? Piace in ogni modo la forma francese, che la cosa che noi conosciamo a memoria, ossia senza bisogno di strumenti o documenti intermedi, la conosciamo “per mezzo del cuore”, ossia l’amiamo; quasi il ricordare sia amare – come infatti è. Anche più preciso in questo senso l’inglese, perché to have by heart letteralmente significa: “Avere nel cuore”, cioè che la cosa ricordata noi la custodiamo nell’organo stesso degli affetti.

Alberto Savinio
Nuova enciclopedia [pag. 257]
Adelphi, 1977

 
e un testo di Shakespeare filava via in due ore anche se nella fossa del teatro O tondo di legno c’erano poveracci che mangiavamo cartocci unti e puzzavano di sporco – dei secoli passati chi sa l’odore – ma avevano menti e memoria che un testo in versi gli scivolava via liscio – ché oggi ci parrebbe un refolo di vento soffiato in un istante – senza poterne cogliere che solo una vaga impressione – arrancando – e quel testo stesso oggi inciampa greve nel doppio di tempo per un pubblico che tossisce disattento e a cui ci vuole spazio e tempo e vezzi e strabuzzìi d’occhi d’attore dopo ogni frase per raccogliere un senso – oh torpida intelligenza smemorata – e anche il principe di Danimarca allora non indugiava pause ad ammiccare alle orbite vuote del teschio spleen esistenzialista – ma tirava via veloce le parole in ritmo perfetto – e non c’erano scenografie – solo assi di legno e palizzate – e bastavano le parole colte al volo – il pubblico era analfabeta e quelle parole – non avrebbe saputo scriverle – ma aveva memoria vivida e pronta e fantasia per veder quel che non c’era – quel che evocavano – e ricordarlo
 

The Life of King Henry the Fifth

ACT I

PROLOGUE

Enter Chorus
Chorus

O for a Muse of fire, that would ascend
The brightest heaven of invention,
A kingdom for a stage, princes to act
And monarchs to behold the swelling scene!
Then should the warlike Harry, like himself,
Assume the port of Mars; and at his heels,
Leash’d in like hounds, should famine, sword and fire
Crouch for employment. But pardon, and gentles all,
The flat unraised spirits that have dared
On this unworthy scaffold to bring forth
So great an object: can this cockpit hold
The vasty fields of France? or may we cram
Within this wooden O the very casques
That did affright the air at Agincourt?
O, pardon! since a crooked figure may
Attest in little place a million;
And let us, ciphers to this great accompt,
On your imaginary forces work.

CORO: Oh avere una musa di fuoco, con cui ascendere al cielo più luminoso della fantasia; un regno per palcoscenico, principi per attori, e monarchi a contemplare la scena ingigantita! Allora il valoroso Enrico assumerebbe il portamento di Marte a lui consono, e fame, ferro e fuoco gli striscerebbero ai piedi chiedendo impiego, al guinzaglio a mo’ di segugi. Ma perdonate, signori miei, gl’ingegni bassi e pedestri che hanno ardito portare un tanto soggetto su questo palco indegno. Può quest’arena da galli contenere i campi sterminati di Francia? o possiamo noi stipare in questa “O” di legno anche i soli cimieri che atterrirono l’aria di Agincourt? Perdonateci! e come uno sgorbio può rappresentare un milione in poco spazio, così consentite a noi, zeri di questo conto immenso, di agire sulle forze della vostra fantasia.

Enrico V
W. Shakespeare
Atto primo, Prologo
traduzione di Masolino D’Amico nell’Introduzione di
Scena e parola in Shakespeare Einaudi, 1974

,\\’

oh si potesse scrivere in modo che un foglio fosse per le parole scritte solo rapido stato e passaggio ed esse vi fossero impresse con un inchiostro speciale antipatico e irreversibile che si cancella man mano che l’occhio le legge – ogni lasciata è persa – è ciò che resta fosse quel che deve restare – che si riesce a ricordare – come sarebbe se si fosse Robinson in un’isola deserta naufragato e senza nemmeno il conforto di un Venerdì – o Nadežda che imparò a memoria le poesia di Osip Ėmil’evič Mandel’štam – scritte durante l’esilio di Voronež – perché gli sopravvivessero – prima di sparire nel gulag di Vtorajarečkae [ e sia maledetto sempre e per sempre il regime stalinista che uccise i poeti e ⇨ Vsevolod Ėmil’evič Mejerchol’d ] o come se d’improvviso mancasse l’energia elettrica che da anche a queste inutili parole su schermo acceso un restare fugace

,\\’

e se si pesasse il foglio scritto – prima e dopo – il peso dell’inchiostro sarebbe soltanto quei pochi microgrammi così essenziali ma leggerissimi – leggeri come sono leggere e taglienti le parole che contano – sì – che potessero sparire via man mano che l’occhio le inquadra e che fosse impossibile rileggerle – chi ha avuto ha dato e chi ha dato ha avuto
 

 
⇨ VISIONI in TRALICE [I] I can’t hide you the rock cried out
⇨ VISIONI in TRALICE [II] But doth suffer a sea-change…
⇨ VISIONI in TRALICE [III] … e abito sempre nel mio sogno…
⇨ VISIONI in TRALICE [IV] Cum dederit dilectis suis somnum
⇨ VISIONI in TRALICE [V] Lascia ch’io pianga
 
 
 

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

VISIONI in TRALICE [VI] di perle e rospi

Related posts:

1. VISIONI in TRALICE [II] But doth suffer a sea-change… [ da "Prospero's Books" di PETER GREENAWAY ] di...
2. Histoire d’I. FRANCESCO D’ISA di Orsola Puecher I. di Francesco d’Isa, ed. Nottetempo 2011,...
3. Richard Hamilton [1922 - 2011] ⇨ Just what is it that makes today’s homes...
4. VISIONI in TRALICE [I] I can’t hide you the rock cried out [ da NUOVOMONDO di Emanuele Crialese] di Orsola Puecher...
5. * hiberno pulvere di Orsola Puecher Hiberno pulvere, verno luto, magna farra Camille...

393. Hesse: perché parla alle nuove generazioni (pubblicato su “Il Giorno”,11 Febbraio 1990)
[Herman Hesse, Knulp, Marsilio; Il bicchiere scrivente, Marcos y Marcos; Francesco d’Assisi, Guanda]
di
Sergio Atzeni

Cos’è stato quell’agitarsi protestando della gioventù d’Occidente, nella seconda metà degli anni Sessanta e nella prima dei Settanta, ormai volgarmente e imprecisamente definito Sessantotto? In Italia si è affermata una interpretazione: scopo del movimento sarebbe stata la palingenesi sociale, la fuoriuscita del capitalismo, l’ingresso del comunismo… Interpretazione sinistra più che di sinistra, da molti contestata, ma ancor oggi detta e difesa. In parte falsa, se riferita soltanto al caso italiano, ancora più falsa se lo sguardo s’allunga fino in Francia e Germania, bugiarda e fuorviante se applicata alla realtà di un movimento diffuso in tutto l’Occidente, magmatico e contraddittorio.

In Italia una delle molle che spinsero gli studenti ad agire fu la convinzione diffusa che la scuola nazionale fosse preeinsteiniana, prequantistica, ignorante delle nuove concezioni storiografiche come dell’esistenza del computer e dell’etnologia… Gli studenti non seppero proporre modelli alternativi (o la voce di chi proponeva fu sopraffatta da quella dei demagoghi); la protesta divenne presto fine a se stessa, sterile; nel ristagno conseguente si inserirono cattivi maestri produttori di slogan stupidi («la scuola borghese si abbatte e non si cambia»), editori di stirpe altoborghese torturati da sensi di colpa e disposti a pubblicare qualunque testo purché esotico e “rivoluzionario”, aspiranti autocrati mediocri e frustrati.

È finita come sappiamo. Qui da noi Marx, Lenin, Stalin, Mao furono più nominati che studiati, e altrove quasi del tutto ignorati. Altrove, e in parte anche nello stivale, altri erano gli argomenti, altri i maestri. Paura della catastrofe nucleare e del degrado ambientale, bisogno di recuperare l’antica, “animale”, armonia corporale (il rock, danza liberatoria delle nuove tribù); rifiuto d’esser ridotti a numeri appendici di macchine; desiderio di sentirsi protagonisti del proprio destino e soggetti di storia; non accettazione di concezioni che riducono la vita a sola materia, pura biologia; rivolta contro il decadimento, l’irrigidimento in formalismi della spiritualità collettiva, contro l’insopportabile “assenza di Dio”, contro la prevalenza del denaro e la dimenticanza dell’anima – in questo paese la parola anima è stata bandita, per anni…
I maestri: mistici indotibetani o messicani, poeti e narratori della beat-generation (Ginsberg, Corso, Kerouac), menestrelli profetici (Dylan, Baez), rockers “indemoniati” (Beatles, Rolling Stones, Grateful Dead…), poeti francesi (Villon, Baudelaire, Apollinaire, Rimbaud… a quel tempo pensavo che sulle bandiere che innalzavano avrebbe dovuto campeggiare un verso del veggente di Charleville: Les voix reconstituées; l’éveil fraternel de toutes les énergies chorales et orchestrales et leurs applications instantanées; l’occasion, unique, de dégager nos sens!), pittori d’ogni tempo e Paese (e in specie fiamminghi, Bruegel, Bosch, Van Gogh, e contemporanei americani, Warhol, Liechtenstein, ma anche Matisse, Picasso…), film e registi (qualunque elenco sarebbe troppo zeppo, basti dire che ebbero un ruolo ispiratore anche alcuni nostri, come Leone, Fellini, Pontecorvo, Antonioni…) e poi Sartre (sia l’esistenzialista, che, purtroppo, il maoista), Marcuse, Russell…

Fra i tanti citati e gli ancor più non citati, a parte Dylan e i rockers, nessuno fu tanto amato ed ebbe tanta udienza quanto Hermann Hesse. Le migliaia (decine, centinaia di migliaia…) di giovani che cercavano la propria identità, un sentiero personale nel mondo, purificazione spirituale, libertà di pensiero e d’azione… e partivano per l’India, fondavano traballanti comuni agricole e urbane, scrivevano poesie ingenue e rabbiose, strimpellavano chitarre scordate, scoprivano l’ebbrezza di danzare tutti assieme per notti e giorni in accampamenti grandi come metropoli, chiedevano e offrivano sentimenti profondi, amavano con gioia e disperazione, cercavano estasi mistiche per la via larga degli allucinogeni o per quella stretta della roccia o dei digiuni, tutti costoro, stragrande maggioranza non fanatica del movimento, vagavano per il pianeta con in tasca una copia del Siddharta, e appena potevano si fermavano a leggere Il lupo della steppa, Narciso e Boccadoro, Il gioco delle perle di vetro.

A vent’anni di distanza noto con poco stupore i piccoli Lenin di un tempo, i «mai più senza fucile», gli operaisti senza calli alle mani, diventati carrieristi rampanti, cinici portaborse di potenti, funzionari di partito bramanti potere. E se penso invece a esempi di quegli altri, gli “hessiani”, mi viene in mente Gian Piero Motti che, mentre il terrorismo muoveva i primi passi accompagnato da tante complicità e colpevoli indifferenze, affrontava pareti di roccia sempre più ardue, in cordata con Guido Rossa (i giovani del movimento Novanta l’hanno mai sentito nominare?), e scriveva articoli “deliranti”: raccontava I falliti (parlava di sé non di altri), o si limitava a proporre un apologo del Budda, pescato, per colmo d’ironia, fra le poesie di Brecht, e lo commentava con poche parole («Corri, corri, lettore. Continua a correre, a discutere, a essere scettico, agnostico, dialettico. Corri, anche tu un giorno troverai il tuo specchio…») e con una pagina tutta bianca, fatto salvo l’angolino in alto a destra, dove aveva messo la riproduzione dell’“appeso” dei tarocchi…

Chi conosce la storia fino in fondo sa che i matti angelici quando fanno del male lo fanno soltanto a se stessi.
Hesse resiste, dura nel tempo, mentre il libretto rosso di Mao, chi lo legge più? In questi giorni sono apparse tre nuove edizioni di libri “minori” dello scrittore, nato nel 1877 nel Württemberg e morto nel 1962 in Canton Ticino.
Knulp (traduzione di Mario Specchio, editore Marsilio, 18.000) narra la storia di un vagabondo dolce, amabile, ben educato, pulito e gioioso, in tre episodi; il primo e il terzo son deliziosi, le idealità del protagonista Knulp sono affidate alla descrizione del suo agire, delle sue scelte: l’amore casto per una servetta, il rifiuto di farsi sedurre dalla moglie di un amico e quello di farsi ricoverare e curare, un dialogo con Dio (Knulp si ritiene un “buffone” del Signore), la morte serena; il secondo episodio pare più forzato, ideologia spiattellata nei dialoghi…
Il bicchiere scrivente (traduzione di Lydia Magliano, Marcos y Marcos, 15.000 lire) raccoglie una serie di bozzetti, fra arcadia e intimismo, attenti ai colori del mondo, più dal pittore che da narratore. È soprattutto una dichiarazione d’amore al Canton Ticino, dove lo scrittore trascorse molte stagioni della vita. Alcuni brani presentono e temono la parossistica cementificazione, le orde vocianti del turismo di massa, e pare quasi vogliano ritrarre un mondo ch’è sul punto di scomparire, perché i posteri sappiano quant’era bello. Tanta paura forse era un po’ ingiustificata: il Canton Ticino è ancora bello.

Il brano che presta il titolo all’intero volume, narra, con toni da elegia crepuscolare, una seduta spiritica. Hesse lo scrisse forse quand’era sul declinar della vita, stanco, un po’ sfibrato, quasi appagato, blandamente curioso più del passato che dell’avvenire?
Era invece giovane, vigoroso, in cerca di sé e del suo posto nel mondo quando scrisse e pubblicò il Francesco d’Assisi, ora riproposto nella traduzione di Barbara Griffini, in elegante edizione arricchita dalle riproduzioni di otto miniature, da un codice della Legenda maior di Bonaventura da Bagnoregio (Guanda editore, 25.000 lire). Il 1904 è per Hesse anno cruciale: pubblica Peter Camezind, romanzo con implicazioni autobiografiche, ch’ebbe gran successo di lettori, e due biografie d’ambiente italiano, dedicate a Boccaccio e a Francesco d’Assisi.
Le due biografie sono come un sigillo inaugurale, premonitore dell’intera opera narrativa, e rivelano con chiarezza, nota acutamente Giorgio Zampa nell’introduzione a questo volume, i poli entro cui si muoverà l’arte (e la vita) di Hesse; sono la rivelazione di un dissidio interiore, fra mondana sensualità, attrazione carnale, e misticismo ascetico, ricerca d’assoluto; nel dissidio si cela l’unità: i due contrari, lontani entrambi dagli idola (oro e potere), si abbeverano alla stessa fonte profonda: la vita vera.

Lo stile di questo Francesco è quasi francescano. La pagina è bella non per accumularsi di esperimenti linguistici e bizzarrie sintattiche, ma per semplicità di svolgimento e scrittura: un’acqua chiara che non mostra quanta fatica sia costata il depurarla. Vibra nel racconto un’aura di gioia semplice, di entusiastica adesione al modo d’essere del protagonista: «Francesco non era affatto un cupo penitente e rinnegatore del mondo, ma anzi, amava molto parole scherzose e allegri incoraggiamenti, e anche nei giorni di grave dolore non si fece mai vedere col volto incupito».
Hermann Hesse non piace a certa critica che, perpetuando l’amor sviscerato tipicamente italico per il bello stile e le sperimentazioni linguistiche e sintattiche fini a se stesse, riproduce e rinnova il distacco fra letteratura e giovani, letteratura e popolo, ch’è, a sentir Gramsci, la pecca maggiore della nostra storia letteraria. Costoro definiscono Boccaccio volgare, e non amano Hesse, che invece venerava Boccaccio; definiscono Hesse elitario, e sottovoce nazista (come del resto fanno con chiunque non sia della loro schiera). Paradosso: un’élite autonominatasi tale, volgare e arraffona, tutta vezzi e birignao, giudica volgari e elitari i grandi narratori popolari.
Che Hesse sia popolare, cioè “del popolo”, è dimostrato dalla continua presenza del Siddharta nelle classifiche dei libri più venduti. Quanto al preteso nazismo, basti questa frase in una lettera del dicembre 1941 («nel tempo forse più buio e infame che l’Europa abbia conosciuto», dice, presentandola, Giorgio Zampa): «…Se un Francesco nostro contemporaneo avesse oggi bisogno di fare sua, nel modo più stretto, tutta la miseria del mondo, dovrebbe sposare un’ebrea di Cernowitz».

Scheda

Sergio Atzeni
Scritti giornalistici (1966-1995)
a cura di Gigliola Sulis

Edizioni Il Maestrale (I Menhir)
€ 32.00 – 2 volumi, 1022 pagine

il libro
Questo volume offre per la prima volta, in versione integrale, le collaborazioni di Sergio Atzeni con la stampa periodica, isolana e nazionale: più di 450 articoli, distribuiti lungo un trentennio. Sono testi che si presentano oggi come un’officina di temi e stili che prima precede e poi si affianca alla scrittura dei romanzi e dei racconti, nonché lettura ‘a caldo’ dei mutamenti della società sarda e italiana negli ultimi trent’anni del Novecento. Dalla militanza politica degli anni Settanta (espressa in cronache e inchieste attente al sociale), si passa per la disillusione dei primi anni Ottanta (con il concentrarsi su aspetti più specificamente culturali), per approdare al periodo dell’affermazione letteraria, quando la pubblicistica diviene spazio di riflessione intellettuale ed estetica, in accordo all’impegno nella narrativa.
Introduzione. – PARTE PRIMA. Cronache, inchieste, commenti: I. Economia, politica, società. II. Cagliari. – PARTE SECONDA. Rubriche: I. Tondo&Corsivo. II. Nove radici. III. Idee di fine secolo. – PARTE TERZA. Arti e cultura: I. Musica. II. Teatro, radio, tv. III. Fumetti. IV. Letture. V. Storia, tradizioni, identità.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Hesse o non Hesse – Sergio Atzeni

Related posts:

1. Dodecabomber, le mucche del Wisconsin e i porcellini d’India. di Cristoforo Prodan «Un concerto, una sonata devono dipingere qualcosa,...

Max Ernst [1891 - 1976]

La puberté proche n’a pas encore enlevé la grâce à nos Pléiades/
Le regard de nos yeux pleins d’ombre est dirigé sur le pavé qui va tomber/
La gravitation des ondulation n’existe pas encore [1921]¹

[ collage: frammenti di fotografie ritoccate, acquerello
e olio su carta, montato su cartone, 24.5 x 16.6 cm. ]

  The Wonderful Widow of Eighteen Springs
La Meravigliosa Vedova di Diciotto Primavere
per Voce e Pianoforte Chiuso Delicatamente Tamburellato [1942]

Spartito originale autografo: 1 – 2 – 3 – 4 – 5 – 6

Sofonisba Anguissola (1534 – 1625)
L’Infanta Isabella Clara Eugenia e la sorellina Catalina Micaela, 1570

[ traduzioni&traslazioni di Orsola Puecher ]

,\\’

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

The Wonderful Widow of Eighteen Springs [James Joyce&John Cage]

1. Il sopraggiungere della pubertà non ha ancora rapito la grazia alle nostre Pleiadi/ Lo sguardo dei nostri occhi pieni d’ombra è diretto verso il selciato che sta sprofondando/ La gravità delle ondulazioni non esiste ancora
2. Alla sintassi, come al governo, si può solo obbedire. Quindi non c’è bisogno di usarla, tranne che quando si ha qualcosa di particolare da ordinare come: Vai a comprarmi un mazzo di carote.

Related posts:

1. VISIONI in TRALICE [II] But doth suffer a sea-change… [ da "Prospero's Books" di PETER GREENAWAY ] di...
2. di presunzione muraria [ fotografia di James D. Griffioen1 ]   Collage uber...
3. le rire 2°: à la Cage [ Water Walk ]     [ …...
4. * hiberno pulvere di Orsola Puecher Hiberno pulvere, verno luto, magna farra Camille...
5. Luigi Schenoni (1935-2008) Leggo in ritardo, da Marco Giovenale, della scomparsa di...

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Enjoy Poverty

Related posts:

1. Resurrectio palermitana – Racconto breve di una video installazione di Vito Chiaramonte È il tramonto che è passato da...
2. Tuscania, 11 settembre 2010 Associazione Culturale Piane di Bronzo, Associazione Culturale Dark Camera e...
3. I Modi Politici dell’Arte Contemporanea di Mattia Paganelli Se sul muro di una galleria d’arte...
4. Bianca e il suo contrario un progetto di Marzia Migliora Inaugurazione venerdì 21 settembre...
5. Jan Svankmaier a Menadito prosegue alla camera degli sposi di s.quirico di valdagno la...

di Paolo Morelli

Chi ha imparato a morire, ha disimparato a servire
Montaigne

1) Secondo voi, nell’attuale panorama geomentale dell’anarchia non è forse rimasto il meglio, l’anarchia non è oggi lo stato della mente di uno che dedica tutto se stesso, ci mette tutta l’energia, l’energia di una vita per un obiettivo che magari prima intuisce poi sa con certezza che è impossibile raggiungere, può essere la pace come l’eliminazione del male dal mondo, ma soprattutto è l’anarchia stessa come idea che se io sono capace di far pochi danni e dare poco fastidio devono esser capaci tutti gli altri, perché io non sono meglio e gli altri non sono peggio tranne che hanno obiettivi raggiungibili, cioè è un fatto di pigrizia mentale, ma come sa chi va in montagna lo sguardo continuo all’obiettivo fa perdere forza, cosí tale contezza invece di causargli emicranie o depressioni lo rende libero al massimo grado di quanto può esserlo uno che ha un corpo, cioè poco, perché solo quando non ci aspettiamo niente possiamo metterci tutta l’energia di cui, a quel punto in quello stato mentale usufruiamo soltanto, che però è moltiplicata rispetto a quando avevamo là avanti l’esca dei bei tornaconti, e la coscienza dell’inutilità del nostro agire invece di avvilirci non lo renderà forse invincibile?

□ può essere □ è una cazzata □ non so

2) Non è forse vero che, per farsi acquisire da tale stato mentale è opportuno sognare in grande, se devo sognare sogno in grande fin da principio, fin qui è normale pure un banchiere ci arriva, se uno fin dal principio si mette in testa di vedere dio, la faccia che ha, invece dell’idraulico per forza ha piú probabilità, con tutto il rispetto, se uno, solo per un esempio è nato che il mondo gli pare suo, ecco che ha molte ma molte probabilità, poi dopo può provare a pensarla al contrario, la pratica ostinata dell’inversione di valori può esser utile, fin qui pure un adolescente ci arriva, fin qui va bene ma poi c’è bisogno di allenamento, per fallire, perché se è vero che non occorre arte nella caduta, che la forza si trova da sé al termine di ogni faccenda, qui si tratta di corteggiare il fallimento non di buttarsi a terra tra l’immondezza, e per fallire è necessario esser falliti già all’inizio, e se questa pare una contraddizione vuol dire che non si è raggiunto lo stato mentale anarchico, che invece s’allena tutti i giorni sapendo solo che deve morire, si allena a vuoto come un pignone scatenato, però in un modo che s’è inventato lui e non glielo passa qualcun altro, e man mano scopre che un’intelligenza gli cresce che non si immaginava, quella che sgorga e tiene vivi, mentre se c’è lo scopo a portata di mano si declassa e rapidamente s’affloscia?

□ c’è del vero □ non è intelligente □ non so

3) Non so se vi ricordate che un politico nostrale di cui non facciamo il nome perché ci interessa niente, durante una visita in Chiapas ha avuto in regalo dal sub-comandante Marcos una copia del Chisciotte con la dedica tipo, Manuale di strategia politica moderna, ed è una vera intuizione!, perché tutti i libri importanti sono manuali di sopravvivenza tantopiú se ci insegnano a disimparare, si mette sempre l’accento sul fatto di imparare e sarà pure vero, ma ci sono cose che dobbiamo assolutamente disimparare tipo il servilismo e la seduzione per il potere soprattutto, lo stato servile della mente, quella sí è una malattia che ce l’hanno tutti pure chi pensa e dice di no, chi urla e sbraita in primo luogo, è una malattia endemica e capillare che se uno non se la cura in prima persona atomizzandola e distruggendola giorno per giorno tutto quello che fa va in fumo, vale meno di niente, e lui diventa in poco tempo l’ennesimo tentacolo pure se non se ne accorge, anzi oggi soprattutto se non se ne accorge, oggi non c’è peggior fascista di chi non sa di esserlo, di chi urla e sbraita e fa proclami e ci costringe in vita a vedere due milioni di volte lo stesso film dove c’è un perdente che vince, si fa strada, diventando quindi potente si vede costretto a difendersi con la forza, censura e omertà soprattutto come è piú adatto all’oggi, senza che mai si riesca a immaginare qualcosa di diverso, divertente, delinquente?

□ però c’è del vero □ non la finisce piú con le cazzate □ non me lo ricordo

4) Quindi, non è forse vero che, mettendo per forza l’anarchia a disposizione il mondo, bisognerà ascoltare tutti tranne i maestri vivi, nessun vivo può ammaestrare giacché solo in via di fallimento, se vi togliete il tappo dei maestri vivi praticamente tutto al mondo diventa utile insegnamento, da mattina a sera e da sera alla mattina, mentre i sedicenti maestri tocca guardarli da sotto in su con danni alla lunga alle cervicali, coi cosiddetti s’impara solo la postura della soggezione e lo strappo verso la trascendenza, insegnano che prima devi essere dopo puoi non essere, prima il successo poi la libertà, prima a scuola poi fai quello che vuoi, prima ti fai ricco e ti togli il pensiero, il senso di realtà cioè l’ipocrisia insegnano, per far parte del mondo devi accettare chi ti ruba, che una volta imparate vi confezionano come servo vita natural durante, invece le uniche leggi sono generate dall’interdipendenza necessaria e universale e si chiamano regole da-che-mondo-è-mondo, presempio troppe leggi moltiplicano i criminali dice Thoreau che è morto, questo sia chiaro, quindi per prima cosa toccherà sviluppare il fiuto utilizzando i maestri, abituarsi a sniffarli come cani anti-droga, evitarli al momento giusto, cosa che verrà utile dopo, una volta liberati dall’influenza dei maestri conclamati o peggio quelli occulti, quando si sentiranno persino le parole della natura che stanno dappertutto, che l’uomo è un incidente e a volte un accidente si impara, e alla fine si scopre che non è la libertà ha un prezzo la schiavitù è gratis, siccome costano quasi uguale non è forse meglio far bella figura, di fronte al fatto sicuro che devi morire?

□ c’è del vero □ è un provocatore senza dubbio □ non so

5) Non sarà che, se storicamente la differenza sostanziale tra comunisti e anarchici è che i primi pensano che l’uomo è fetente di natura bisogna stanarlo e educarlo, i secondi che è buono di natura bisogna lasciarlo stare a decantare, mentre l’anarchia odierna considera irragiungibile tale scienza se è fetente o buono da principio, ma credere il secondo magari è eccesso d’amore ma piú conveniente per fallire, considera, non sarà che per fallire bisogna essere spontanei, per essere spontanei bisogna perdere i pezzi inutili, per perdere i pezzi inutili bisogna sgangherarsi, per sgangherarsi basta lasciare le cose come stanno, che la prima cosa nell’arte del fallimento è imparare a lasciare le cose come stanno, perché sarà pure difficile capirlo a chi non dotato di stato mentale anarchico, ma da-che-mondo-è-mondo unica chance di cambiamento radicale sta nel lasciare le cose come sono, è il primo atto o meglio prologo, finché non si riesce a farci bastare quello che abbiamo, a essere almeno un po’ contenti di dove siamo, allenarsi a non agire per forza, saremo sempre in balìa della convenienza, sembra strano ma è vero, e come tutto quello che pare strano ma vero c’è poco da fare, voler essere in altro posto uccidere il posto dove ci si trova, cosí invece cambia la prospettiva, so di non sapere tanto per dirne una?

□ qualcosina di vero c’è □ è una cazzata madornale □ non so

6) Non so se sapete che a Phoenix (Arizona) c’è una caserma di pompieri dove hanno festeggiato una centenaria, una lampadina sta accesa ininterrottamente da cent’anni, mentre a noi ci danno quelle che scoppiano a comando, a orologeria, obsolescenza programmata si chiama, la fabbrica Telefunken è fallita perché faceva cose che duravano, potremmo avere accessori durevoli invece li programmano per rompersi a comando, e il tempo è sempre meno sennò non si va avanti, e allora io dico si può immaginare un futuro per una comunità mondiale che deve far cose sempre piú scadenti in senso letterale, pena il corto circuito economico, e poi ci si stupisce se la mondezza s’accumula e certe zone del mondo vengono vendute dai governanti per pattumiera, perfino il pane ci abituano che dura tre ore mentre da sempre croccava per settimane, ci sono dubbi ancora da dove viene la mondezza se non dal pensare che la sete di sapere muova un gargarozzo piú nobile che la sete di soldi, presempio, che i muscoli del cervello sono diversi se si vuole conoscere a tutti i costi o dominare, che la smania di viaggiare presempio non è la stessa identica di quella del potere, come già dicevano gli stoici che sono morti e Leopardi pure, e sta tutto lí il senso anarchico d’allenamento?

□ potrebbe essere □ è un ignorante □ non so

7) Secondo voi è la proprietà un furto come raccontano gli invidiosi, i pigri o invece la ricchezza, sempre, non lasciamoci ingannare che ci sono ricchi scesi dall’incubatrice e non hanno fatto niente, perché il furto l’ha fatto il padre o il nonno, poi per fartelo scordare dicono che lavorano, fanno l’economia per tutti, mentre oggi soprattutto o è la borsa o è la vita, questo sia chiaro, e l’economia vera la fanno i parsimoniosi, oggi esser parchi non è virtù come fino poco a fa ma un crimine quasi, forma moderna di luddismo che può scardinare la società fatta da pigri dritti in avanti, e per esser parsimoniosi veri bisogna esserlo senza volontà, sforzo o esercizio di virtù, essere generosi non avari, coltivare la filosofia delle cose che costano niente, se spendi poco ti piacciono di piú le cose è regola da-che-mondo-è-mondo, un’altra è la legge del minimo mezzo, cioè ottenere il massimo da ogni attività, ingrediente, ogni pensiero senza depredare le risorse però, lasciar crescere quello che è, e allora basta essere un po’ poveri e viene tutto meglio, si è parchi cioè luddisti senza saperlo e non solo, siccome oggi la galera dice McLuhan che è morto è fatta di comodità, allora basta mettersi un po’ scomodi, allenarsi a faticare, perché se alla vita togli la fatica è come l’acqua senza una valenza d’idrogeno, anche qui senza saperlo quasi, ché senza saperlo vengono meglio le cose se uno è un libertario, uno che fa una cosa alla volta, uno che sa mollare la presa che stringi stringi ti ritrovi in mano un pugno di mosche, molli invece e hai a disposizione tutte le mosche dell’universo pure senza esser bacato in testa, uno che si riallaccia alla tradizione che c’è da quando è nata la prima micragnosa sanguisuga?

□ questo può esser vero □ lo dice perché gli rode l’invidia □ non so

8) Non è forse vero che, se il futuro ci riserba i ladri sempre piú ricchi, la demarcazione sempre piú netta, per cui la maggior parte prova a diventar ricco o almeno famoso per dimenticare che è lusso da ricchi, mettersi al riparo dove è tutto deresponsabilizzato che è il modo sicuro di perpetuare il meccanismo infame, questo succede in ogni parte del mondo con le risorse che scompaiono, ma non sarà forse che la linea sempre piú netta tra chi sta Dentro e chi Fuori non è solo questione monetaria, che qui fuori insieme a una montagna di derelitti c’è chiunque è portatore di un minimo di pensiero originale, ogni piccolo ambito di pensiero indipendente viene messo al bando perché sennò dimostra che si può avere, che non importa tanto cosa si pensa ma come, e se è uguale all’oppressore non c’è scampo, cosí chi vuol star dentro d’una sola cosa può esser sicuro che è un fesso portatore di Pensiero Unico, altrimenti detto indifferente o rassegnato, che sta dentro sí ma a una Caserma pure se urla e sbraita di no, e magari l’entrismo cosiddetto in qualche caso sarà pure utile ma in questo momento è deficiente?

□ a farci caso è vero □ lo dice perché lui è fuori □ non so

9) Non so se sapete di un tale microbiologo giapponese, Fukuoka si chiamava perché è morto, che ha dedicato la sua vita a dimostrare coi fatti però che per fare l’agricoltura bisogna fare niente, ci ha messo vent’anni per portare il terreno alle qualità originarie e da allora per trent’anni a coltivare riso o frutta doveva fare un bel niente di niente, stava lí a guardare, nemmeno l’acqua gli dava al riso tanto per dire, faceva raccolti di gran quantità e soprattutto qualità superiore a quelli degli altri e per questo veniva cacciato dai congressi e tv, perché dimostrava che ci hanno raccontato 3000 anni di fandonie, la tristezza delle loro fatiche di miglioratori di futuro ci hanno raccontato, di vigliacchi esagitati, mentre pure certi indiani americani non facevano un bel cazzo di niente per coltivare, poi sono arrivati gli innovatori che hanno immiserito la terra e i raccolti li hanno resi intensivi, faticosi, laboriosi, anticrittogamici, ogm per poi distruggerli se no non guadagnano le multinazionali, e perché dimostrava Fukuoka che la vita c’è solo dove il dare eccede il prendere quindi noi non siamo messi male ma peggio, e invece si può sempre rivedere tutto e del tutto, ha pure dimostrato Fukuoka sopra ogni cosa, si può far piazza pulita in ogni momento, adesso riprendere i contatti, ora non domani mentre se si continua a vagheggiare una decrescita si diventa solo calvi?

□ interessante □ sono casi isolati □ non so

10) Essendosi che tutte le vite sono occasioni perse da qui si può cominciare, da qui la vita pare sontuosa, da difendere a ogni costo in quanto battaglia persa comunque, per statuto, per regola da-che-mondo-è-mondo, il nostro scopo nella vita non è riuscire ma continuare a fallire nella migliore delle intenzioni diceva Stevenson che lui pure è morto, e allora è la perfezione per chi ha lo stato mentale anarchico, allora difendere la vita è l’esercizio principale che racchiude tutti gli altri, cosí però rischia d’essere imputato di molti reati, tipo stalking per il mondo o spia come diceva di sé Diogene che è morto, vale a dire non esser lasciato in pace da un mondo di pazzi che dicono sempre sono serio, sono io e resto cosí è il motto dei morti o meglio fantasmi, sono lucidissimo è normale, del tutto, il mio stato mentale, che se dicessero non sto del tutto bene, forse non sono responsabile del tutto del mio stato mentale forse si potrebbe tentarla la guarigione, ma se dicono di essere seri ecco lí la pazzia incurabile, soprattutto che quel po’ di libertà è diminuire si scopre nello stato mentale anarchico, da-che-mondo-è-mondo libertà è perdere, disimparare, no come dicono i funzionari non aver regole, non è una licenza militare!?

□ non è pazzo come sembra □ è pazzo □ non so

Risultati

Se prevalgono le risposte 1: con ogni probabilità siete un fallito per cosí dire culturale, una persona dabbene a cui piacciono le trafile e la ricerca del ragionevole, vale a dire siete una vittima designata, forse colta, disposta a farsi gabbare dalle facce belle e la ricchezza del linguaggio, siete pronti per crescere, fare il militare, trovare un posto da piccolo funzionario, separarsi ma prima sposarsi e fare dei figli che viene sempre di moda, andare a votare e magari morirci in cabina, quindi nella condizione privilegiata di chi può usufruire dello stato mentale anarchico, all’inizio nel suo piccolo, poi allargando il cerchio del buon senso comune, quello che oggi è annientato come snob o demodé, pian piano ce la potete fare.

Se prevalgono le risposte 2: è quasi sicuro che siete un fallito del tipo per cosí dire naturale, e ci resterete vita natural durante, ancorati ai distinguo, coi denti affondati nei cavilli interpretativi che scambiate per serietà, sono io e resto cosí è il vostro motto a vita quasi, gli obiettivi per voi devono essere concreti nemmeno belle teleologie, non avete altra strada che farvi strada coi mezzucci i ricatti il peso politico e gli scambi di favori, calcolare e calcolare, azzannare il risaputo, lo stantio, adocchiare ad ogni istante chi secondo voi è il piú debole cioè meno protetto, finché se siete fortunati finirete vecchio e dimenticato quindi in condizione previlegiata per usufruire dello stato mentale anarchico, almeno per qualche anno e, com’è naturale, prima di morire e magari lasciarci il ricordo che tutto è possibile.

Se prevalgono i non so delle risposte 3: se avete letto la maggior parte delle domande senza sapere di che si tratta, siete il tipo di fallito molto vicino allo stato mentale anarchico, lo avete a portata di mano perché refrattari si nasce forse, ma è molto probabile, dicono i refrattari che hanno un po’ di maledetta esperienza, dicono che si vede già da presto, certi pure da piccoli si vede che saranno refrattari a vita, succeda quel che succeda, non conta se sei nato ricco o diseredato, e noi può essere che siamo d’accordo su questa diciamo cosí fortuna, perché un refrattario nato o pasciuto che obiettivo vuoi che abbia nella vita?, quello di tirarsi fuori dalla condizione fortunata cosa che non gli riuscirà mai, quindi lui sta già a posto e non deve fare altro.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

anarco test

Related posts:

1. l’amica geniale di Luca Alvino Nella produzione narrativa di Elena Ferrante non...
2. pensami e tornerò di Chiara Valerio Dopo la sciagura le parole duravano...
3. fu la raccolta dei fiori nel giardino di cemento di Chiara Valerio Affaticato ma soddisfatto, la osservò riversa...
4. sul gusto nazionale di Paolo Morelli Stavo proprio pensando che un perseguitato...
5. narrazione del posto di lavoro di Chiara Valerio La dismissione di Ermanno Rea e...

Per un contrasto ovviamente voluto, al centro del secondo focus proposto troviamo la poesia, anzi la Poesia-Mondo-Festival, così come la declinano i responsabili di alcune delle manifestazioni poetiche più importanti del pianeta, da Jairo Guzmán, del Festival Internacional de Poesía di Medellín, a Peter Rorvik di Poetry Africa a Cape Town.

Tra gli altri materiali della rivista, le riflessioni sul(tramonto del) postmoderno di Alberto Abruzzese, Massimiliano Fuksas e Vittorio Gregotti, la conversazione con Ida Dominijanni a cura di Enrico Donaggio e Daniela Steila all’interno del ciclo su Intellettuali e potere, il reportage da Cuba di Omar Calabrese.

Nel supplemento alfalibri le stroncature di Pietro Citati e Marc Fumaroli ad opera, rispettivamente, di Daniele Giglioli e Stefano Chiodi; due pagine francesi (Valerio Magrelli su Antonin Artaud e Massimo Raffaeli su Louis-Ferdinand Céline; il testo Con gli occhi aperti Isola Iceberg Invasione di Vincenzo Latronico.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Dal 5 dicembre il nuovo numero di alfabeta2

Related posts:

1. Il passaggio che non passa (su elezioni e Tobin Tax) di Andrea Inglese La monotonia delle mie riflessioni è provocata...
2. Alfa zeta per Alfa Beta: G come Jeunesse Nuova puntata per alfa beta 2 questa volta dedicata...
3. Il popolo della gru. Cronaca di un’azione politica. Gherardo Bortolotti, Andrea Inglese e Maria Luisa Venuta [Una prima...
4. In edicola il secondo numero di alfabeta2 E’ in edicola e in libreria il numero di settembre...
5. Alfabeta2 a Roma giovedì 15 Per un intervento culturale in un paese allo sfascio Presentazione...

MANTOVA Palazzo Te Sala dello Zodiaco [1579] Lorenzo Costa il Giovane?

  Dietrich Buxtehude [1637 -1707] Ciacona in E minor

Orsa Maggiore, scendi irsuta notte,
animale dal vello di nuvole
e gli occhi antichi, occhi stellari;
sbucano dall’intrico scintillanti
le tue zampe e gli artigli,
artigli stellari;
vigili custodiamo le greggi,
pur ammaliati da te, e diffidiamo
dei tuoi lombi stanchi
e delle zanne aguzze per metà scoperte,
vecchia Orsa.

Una pigna, il vostro mondo.
Voi, le scaglie intorno.
Io lo spingo, lo rotolo,
dagli abeti in principio
agli abeti alla fine:
lo fiuto, lo tento col muso,
e con le zampe l’abbranco.
 
Abbiate o non abbiate timore:
versate l’obolo nella borsa sonante e date
una buona parola all’uomo cieco,
che l’Orsa trattenga al guinzaglio.
E insaporite bene gli agnelli.
 
Potrebbe, quest’Orsa, strappare i lacci,
non più minacciare ma dare
la caccia a tutte le pigne cadute
dagli abeti, i grandi abeti alati
precipitati dal paradiso.

[trad.: M.T. Mandalari, TEA 1996]

Anrufung des Großen Bären
 
Großer Bär, komm herab, zottige Nacht,
Wolkenpelztier mit den alten Augen,
Sternenaugen,
durch das Dickicht brechen schimmernd
deine Pfoten mit den Krallen,
Sternenkrallen,
wachsam halten wir die Herden,
doch gebannt von dir, und mißtrauen
deinen müden Flanken und den scharfen
halbentblößten Zähnen,
alter Bär.
 
Ein Zapfen: eure Welt.
Ihr: die Schuppen dran.
Ich treib sie, roll sie
von den Tannen im Anfang
zu den Tannen am Ende,
schnaub sie an, prüf sie im Maul
und pack zu mit den Tatzen.
 
Fürchtet euch oder fürchtet euch nicht!
Zahlt in den Klingelbeutel und gebt
dem blinden Mann ein gutes Wort,
daß er den Bären an der Leine hält.
Und würzt die Lämmer gut.
 
‘s könnt sein, daß dieser Bär
sich losreißt, nicht mehr droht
und alle Zapfen jagt, die von den Tannen
gefallen sind, den großen, geflügelten,
die aus dem Paradies stürzen.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Ingeborg Bachmann Invocazione all’Orsa Maggiore

Related posts:

1. Wislawa Szymborska [1924 - 2012] SFORMICARE   “Per l’ironica precisione, che permette al contesto storico...
2. WIM WENDERS&PINA BAUSCH “Pina” [2011] WIM WENDERS ⇨ Pina [2011] S U B T...
3. VISIONI in TRALICE [VI] di perle e rospi di Orsola Puecherla frale carta velina dei petali – il...
4. Arna’s Children di Juliano Mer-Khamis ⇨ Arna’s Children [ 2003 ] di ⇨ Juliano...
5. * * * di sassi e cristalli * hiberno pulvere  ** da cenere oro    L’uomo è come...

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

it’s only blogging but i like it #4

Related posts:

1. it’s only blogging but i like it #5 Godzilla Haiku Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana...
2. it’s only blogging but i like it #2 Kim Jong-Il looking at things Questo è un articolo pubblicato...
3. it’s only blogging but i like it #1 Indizi dell’avvenuta catastrofe *** *** *** *** [Il blog Indizi...
4. it’s only blogging but i like it #3 Porn Without Porn Questo è un articolo pubblicato su Nazione...
5. da “Quando Kubrick inventò la fantascienza” KUBRICK di Andrea Inglese L’autista di Kubrick sta guidando...

Martedì 29 novembre, ore 21

Libreria Trebisonda, via Sant’Anselmo 22, Torino

Sparajurij e la redazione della rivista “Atti Impuri” incontrano

Giorgio Falco e Piergianni Curti

Giorgio Falco ha pubblicato la raccolta di racconti “Pausa caffè”
(Sironi, 2004), il romanzo “L’ubicazione del bene” (Einaudi, 2009) e
il recente “La Compagnia del corpo” (:duepunti, 2011). Collabora con
il quotidiano La Repubblica. Su Atti Impuri, vol. 1 si può leggere:
“Box”.

Piergianni Curti è poeta, scrittore, drammaturgo, regista, attore,
matematico, ha insegnato e ha diretto compagnie teatrali e teatri. Ha
pubblicato un libro di poesie, “Qzearas”, per le mitiche edizioni
Pitecantropus. Ha vinto nel 2003 il Gran Giallo di Cattolica con il
racconto “Pink Moon” (Mondadori). E’ uno dei sei autori selezionati
quest’anno dal progetto Roland – Scritture Emergenti. Su Atti Impuri,
vol. 1 si può leggere: “Il cane quotidiano”.

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

“Atti impuri” alla Trebisonda di Torino

Related posts:

1. Sono tornate le riviste? (23 novembre a Torino) 23 novembre, PalazzoNuovo, via san Ottavio 20, Torino ore 18...
2. Favole nere di Helena Janeczek (una proposta alla Città di Torino) Racconta...
3. Semiotics of the kitchen – i resistibili stereotipi sulle donne Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:Semiotics...
4. Perché ho firmato l’appello di Gianni Biondillo Innanzitutto una premessa necessaria: in questi...
5. Ignaz Philipp Semmelweis, il medico di Gessica Franco Carlevero Era di gran moda l’anatomia patologica,...

⇨ Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?
[1956 collage con immagini e pubblicità di riviste popolari dell'epoca]

Un culturista muscoloso brandisce provocatoriamente un lecca lecca Tootsie Pop verso una ragazza molto ben fornita di attributi con cappello a paralume in testa. Intorno quei prodotti in voga che renderebbero [ e continuano implacabili fino a oggi a rendere] le case moderne così differenti e così affascinanti, come l’aspirapolvere Hoover “Constellation” a palla, il prosciutto in scatola HAM, la televisione Stromberg-Carlson e il magnetofono a nastro Boosey & Hawkes “Reporter”.

Il collage fu creato da ⇨ Richard Hamilton per il catalogo della mostra ⇨ This Is Tomorrow a Londra nel 1956.

 
E’ considerata la prima opera della Pop Art, così definita da Hamilton in una lettera del 1957 a Alison e Peter Smithson:
 

Pop Art is:
Popular (designed for a mass audience)
Transient (short term solution)
Expendable (easily forgotten)
Low Cost
Mass Produced
Young (aimed at Youth)
Witty
Sexy
Gimmicky
Glamorous
and Big Business

 
⇨ The Chordettes Lollipop [1958]

Lollipop lollipop
Oh lolli lolli lolli
Lollipop lollipop…..
 
Call my baby lollipop
Tell you why
His kiss is sweeter than an apple pie
And when he does his shaky rockin’ dance
Man, I haven’t got a chance
 
I call him
Lollipop lollipop
Oh lolli lolli lolli
Lollipop lollipop…..
 
Sweeter than candy on a stick
Huckleberry, chimry or lime
If you had a choice
He’d be your pick
But lollipop is mine
 
Lollipop lollipop
Oh lolli lolli lolli
Lollipop lollipop…..
 
Crazy way he thrills me
Tell you why
Just like a lightning from the sky
He loves to kiss me till I can’t see straight
GEE, MY LOLLIPOP IS GREAT
 
I call him
Lollipop lollipop
Oh lolli lolli lolli
Lollipop lollipop…

Questo è un articolo pubblicato su Nazione Indiana in:

Richard Hamilton [1922 - 2011]

Related posts:

1. Histoire d’I. FRANCESCO D’ISA di Orsola Puecher I. di Francesco d’Isa, ed. Nottetempo 2011,...
2. VISIONI in TRALICE [IV] Cum dederit dilectis suis somnum var YMPParams ={autoadvance:false,}Cum dederit dilectis suis somnum. IV. Largo...
3. … come solo le bacche sanno cadere. [ ai bambini "dimenticati" ]     [ "Il cielo...
4. 1° È l’animale, questo, che non c’è.       Musée National du Moyen Âge Parigi ]   Thibault...
5. * * da cenere oro * hiberno pulvere   Venezia – Gran Teatro La Fenice...